Casi desde su invención el vestido se ha usado para diferenciar la juventud de la vejez. En las tribus primitivas, la iniciación de los muchachos y las muchachas a la vida adulta estaba marcada por la entrega de nuevas ropas y ornamentos de adultos; esta misma costumbre se ha seguido a menudo en las llamadas sociedades civilizadas. Cuando un muchacho alcanzaba la mayoría de edad en la Roma antigua, se despojaba de su túnica corta y adoptaba la toga virilis. En los Estados Unidos, hasta hace unos cincuenta años, el joven cambiaba los pantalones cortos por los largos en un ritual de igual significado. Durante la Edad Media y a lo largo de varios siglos posteriores la infancia terminaba en torno a la edad de siete años, con frecuencia antes. Los niños muy pequeños llevaban trajes o vestidos largos y había poca diferencia entre la ropa de niño y la de niña.’ Entre los tres y los seis años el niño se convertía en un hombrecito y la niña en una mujercita; entonces vestían versiones reducidas de los modelos adultos. Poca o ninguna concesión se hacía a lo que para nosotros es ahora una necesidad obvia en los niños: la libertad de movimientos para la actividad física. Los retratos medievales y renacentistas muestran a niños pequeños vestidos con todas las extravagantes molestias de la moda adulta: gorgueras, miriñaque, pantalones acolchados, faldas que se arrastraban por el suelo, zapatos de tacón alto y sombreros con la parte superior atestada de plumas y flores.

LA INVENCIÓN DE LA INDUMENTARIA JUVENIL

En la segunda mitad del siglo XVIII, Jean-Jacques Rousseau y sus discípulos propusieron una visión nueva de la infancia como un estado independiente y natural, y del niño como un ser valioso en sí mismo y no como un adulto imperfecto de corta estatura. Demandaban un cambio; no sólo en la educación de los niños, también en su ropa. Rousseau aconsejaba en su Emilio (Émile), que los miembros de un niño que aún está creciendo han de estar libres para moverse con facilidad dentro de sus ropas; nada debe obstaculizar su crecimiento ni su movimiento. Lo mejor es llevar a los niños con prendas tan amplias como sea posible y después ponerles ropa suelta, sin intentar definir la silueta, que no es más que otra manera de deformarla. Sus defectos de cuerpo y de mente se pueden achacar a la misma causa: al deseo de hacer de ellos hombres antes de tiempo. Estos criterios no tardaron en comenzar a manifestarse en una nueva imagen de los niños. Las niñas, en lugar de ir con aros y corsés, ahora seguían usando los sencillos y cómodos vestidos escotados de muselina de su primera infancia. Este privilegio se fue extendiendo gradualmente a niños cada vez mayores, y hacia la década de 1780 estos vestidos a menudo se llevaban hasta bien entrada la adolescencia. Al mismo tiempo, a los niños se les quitó el abrigo largo, el chaleco ceñido, la camisa de cuello alto y los calzones cortos que habían llevado sus padres. En su lugar vestían chaquetilla corta, camisa con cuello blando de solapa y pantalones largos. En la década de 1790 los pantalones se empezaron a abotonar sobre la chaqueta, produciendo lo que recibió el inquietante nombre de «traje de esqueleto». Lo siguieron llevando durante los cuarenta años siguientes la mayoría de niños de entre tres y siete años. Las zapatillas planas y los cortes de pelo sencillos sustituyeron a las pelucas empolvadas que seguían estando de moda entre los adultos.

ROPAS MALÉVOLAS

En el polo opuesto a la ropa que trae buena suerte y éxito está la prenda de mal agüero. La versión más habitual de ésta es el vestido, el traje o la camisa que (como algunos niños) parece atraer o incluso salir a buscar la suciedad, la grasa, la salsa de tomate que se cae y otros peligros. Enid Nemy, que ha escrito muy perspicazmente sobre este tipo de prendas para el New York Times, sugiere que quizá tales ropas sean perezosas: «Preferirían quedarse descansando en una percha, o en una caja, y por eso se rebelan cuando se las saca de allí». O, añade, puede que sean esnobs, reacias a relacionarse con gente vulgar. Sea cual fuere la causa, estas prendas tan propensas a los accidentes raramente se re forman, si es que alguna vez lo hacen, y una vez que se ha descubierto una es mejor romper relaciones con ella inmediatamente. De no ser así, como las personas propensas a los accidentes, puede que nos acarree numerosos problemas y posiblemente auténticos desastres, convirtiendo alguna entrevista importante o una cita romántica en una escena de farsa o humillación. Más siniestra, y afortunadamente más infrecuente, es la prenda que parece atraer los desastres hacia nosotros en lugar de hacia sí misma. Nemy menciona un vestido naranja de lino que parecía haberle tomado manía a su dueña, una tal Margaret Turner, de Dove Publications. La ropa de color naranja puede provocar hostilidad en nuestra cultura, pero este vestido parece que fue un caso especial. «Mis amigas parecían más malvadas, los hombres parecían más distantes, y yo siempre tenía problemas con mi jefen, decía la señora Turner. «Y eso no era todo. Tiraba el café, perdía el tren y se me averiaba el coche.» Hasta cuando nuestras ropas no están investidas de esta especie de poder sobrenatural, pueden tener significados simbólicos que tienden a incrementarse con la edad. El hombre que llega a casa del trabajo y descubre que su mujer le ha tirado su raída chaqueta de lana llena de manchas o sus viejos pantalones del ejército, con frecuencia se enfada mucho más de lo que parece justificar la situación, y su enojo puede ir mezclado con un sentimiento de depresión e incluso de miedo. No sólo ha perdido una prenda mágica; se ha visto obligado a ver a su cónyuge como su enemigo, como una persona que desea privarle de la comodidad y la protección.

Un tipo más placentero de magia es el que se produce en el intercambio de prendas tan frecuente entre amantes. En la Edad Media una dama a menudo entregaba su pañuelo o un guante a un caballero por ella elegido. Cuando él entrase en batalla o luchase en un torneo lo pondría junto a su corazón o se lo prendería del casco. Hoy, probablemente porque es tabú que los hombres lleven prendas de mujer, el tráfico es de dirección única. La adolescente se pone la chaqueta de béisbol de su novio para ir al colegio; la secretaria que ha pasado la noche impulsiva y triunfalmente en el apartamento de un amigo vuelve a casa a la mañana siguiente con el impermeable London Fog de él sobre la ropa con la que fue a la discoteca; y la esposa que, juguetona y cariñosa, se pone la parte superior del pijama rojo de franela de su marido. Frecuentemente la mujer se siente tan bien y tiene tan buen aspecto con la prenda mágica prestada que jamás la devuelve. Pero si la relación se agria, el significado del intercambio se ve alterado; el encantamiento deviene maldición. El artículo mágico puede entonces devolverse, a menudo en malas condiciones: manchado o arrugado, o con «fortuitas» quemaduras de cigarrillo. 

Tom Wolfe definió los años setenta como “la década del yo”. Infinidad de estilos coexistieron, afirmando la identidad de sus creadores y por ende la de quienes usaron cada modelo, de marcada individualidad. Por ejemplo, las faldas largas y étnicas convivieron en los primeros años de esta década con los minishorts o botpants, que se llevaban con zapatos de plataformas exageradas; y con los jeans “pata de elefante”, que volvieron a instalar en la moda de la calle la devoción por el jeanswear. Éstos eran sólo algunos códigos de la moda joven que habían inaugurado los bippies en su revolución no violenta. Por el contrario, los años setenta fueron desafiantes en lo que se refería al Anunciadora del clash, Vogue evoca la anarquía: “La moda verdaderamente anárquica será más inteligente y más simple que todo lo que usted se puso hasta ahora. (…) Usted es única, única en su manera de vestirse. Olvide las reglas, es usted quien las hace y las deshace”. 

Es el look del rock glamour, de zapatos de plataforma, polleras largas y el cambio total de roles: los hombres se maquillan. “De una cosa estamos seguros: al principio de los setenta, la combinación espacial de los sesenta no volará.” 

Todas las reglas del “buen vestir” diseñadores, partidarios de las imágenes extremas y no preguntaba en Londres, en 1971: sesenta eran todavía “in”o “out”; los setenta eran “sin certeza”.

Muchos observadores adjudicaron esa actitud a la moda retro, que los diseñadores de la época cultivaron con gran entusiasmo. Las influencias del movimiento hippie se vieron en las colecciones con acento puesto en la contracultura. Entre los rasgos más notorios se descubrían los países orientales exóticos y afroamericanos. 

Estos estilos hicieron furor desde comienzos de los setenta hasta 1975, cuando la moda se volvió, en cierta medida, más occidental. Por otro lado, los punks que desplazaron la no violencia, también influenciaron la alta costura y el prét-a-porter.

A pesar de la libertad de los dobladillos, y aunque los hotpants y las faldas largas reemplazaron las minifaldas, el minishort, que nació en Europa, se hizo muy popular en los Estados Unidos, festejado como el hotpant que se confeccionó en todo el mundo con telas lujosas como el terciopelo, el brocato, el satén, la seda o el jersey, para marcar la transgresión. En los comienzos de los setenta, el minishort se llevaba con botas largas (ocortas) y un maxitapado hasta los tobillos, abrigo casi obligatorio tanto por cuestiones estéticas del momento como por defensa contra el frío. El fuerte individualismo de la década y la perplejidad de la guerra de los dobladillos impulsó el auge del pantalón, que volvió a las pasarelas de los desfiles. 

El boom del pantalón

En 1971 se vendieron en Francia 14millones de pantalones. Muchos cronistas decretaron que el pantalón rejuvenecía. Esta certidumbre explicó el triunfo aplastante de los jeans como nunca había ocurrido antes, desde sus orígenes en 1876, como ropa de trabajo, hasta su momento de gloria en los años cincuenta. Hubo tantas marcas de jeans como estilos. A los “pata de elefante” siguieron los de talle bajo, el modelo cigarette y el pinzado. Fiorucci le agregó el toque sexy y unisex y la consagración fue definitiva.

Una mirada retro

Los estilos rescatados del pasado, como la mirada a los Ballets Russes que a principio de siglo habían deslumbrado a Poiret por su colorido exotismo, poblaron las colecciones del comienzo de los setenta. Durante los años que siguieron, los creadores como se comenzó a llamar desde la mitad de los setenta a los diseñadores continuaron con la misma tónica teatral y cultural, invocando el pasado en todo su esplendor.

En 1970, la moda americana aceptó a regañadientes el dobladillo de la moda, como lo dictaba Europa. Fue la causa principal para que las etiquetas triunfantes del momento (Bill Blass, Oscar de la Renta, Halston, Geoffrey Beene, James Galanos, entre otros), incluyeran el pantalón en todas sus colecciones. Los modistos evocaban a Greta Garbo o a Katharine Hepburn, quienes lo impusieron ya en los años treinta.

Comenzaron las marcas concepto o marcas producto, que regirán desde entonces.

Dos corrientes eran típicas de la época: el estilo masculino femenino y, por otro lado, la inspiración hollywoodense de los años treinta, como Halston. 

A esto se sumaba cierta teatralidad étnica en el uso de los caftanes, djellabahs, fourreaux de telas fluidas, y para la moda hippie chic, las telas desteñidas con método artesanal tye and dye. Bull Blass cautivo a ejecutivas por su costado couture, mientras diseñadora inauguró en Manhattan la boutique London. Allí se compraba ropa muy sofisticada, con sentido del humor y disconformismo. 

Betsey Johnson trabajaba en el lado opuesto. Esta joven Parafernalia, que siguió cultivando el espiritu del swinging Tapados de vinilo sobre suéteres con paillettes subyugaban a las jóvenes. Norma Kamali, dentro del mismo espíritu inconformista, insistió con gran éxito en la moda joven. Contrastando la teatralidad europea, en los Estados Unidos se abrió el camino a la simplicidad y un cierto tipo de minimalismo elegante. 

Su primer impulsor fue Roy Halston, célebre por su despojamiento, al diseñar vestidos y túnicas simples de certero corte. Halston había elegido la costura luego de abandonar los sombreros, que declinaron en la década del sesenta. La influencia de Halston duró desde la segunda mitad de los sesenta, hasta el final de los setenta. 

Su línea de prêt-à-porter se convirtió entonces en un símbolo de éxito social. La forma casi excluyente de su ropa fue tubular o en “T”, realizada en jersey, de colores vivos. Pero también trabajó en muselina de seda, o en cachemira, amén de gamuza. Todas esas texturas fueron emblemáticas de Halston y contribuyeron a su éxito. Líneas que coincidían con el despojamiento de Martha Graham. La genial bailarina le encargó la ropa para performances inolvidables de sus danzas y su ballet.

La fórmula de jeans con botas y tee-shirt con campera negra de cuero que inmortalizaron Marlon Brando y James Dean hacia mediados de la década del cincuenta, se transformó con los años en el uniforme de la juventud rebelde.

Ese código indumentario, sumado al suéter de lana negra y cuello alto, se extendió a los intelectuales franceses existencialistas, encabezados por Juliette Gréco y Boris Vian, y a los beatniks norteamericanos inspirados por Jack Kerouac.

El color negro, luego de que Balenciaga lo impusiera en la alta costura, triunfaba otra vez en la bohemia artística, entre escritores, pintores y músicos. Desde luego, no tenía el mismo concepto que la petite robe noire de Chanel. Ese vestido simple que durante años simbolizó, por el contrario, la respetabilidad, la discreción y la elegancia.

Barbie

Durante la década del cincuenta, típico del final de los cincuenta. momento no decidían en el mundo de la ropa, aparecieron como una clientela potencial y poderosa. Y, paralelamente, surgieron los subproductos que evocaban el fenómeno masivo. 

La muñeca Barbie, por ejemplo. Ella fue un testigo mudo y protagonista, a su vez, de todos los cambios que sucedieron en la moda desde la segunda mitad del siglo XX hasta hoy. Barbie nació el 19 de marzo de 1959, engendrada por los norteamericanos Ruth y Elliot con un traje de baño rayado,

Una muñeca de veintinueve dorado, ojos azules y formas perfectas, que descubrían un Detalles anatómicos que ninguna muñeca había registrado. Hasta entonces, los juguetes de las niñas habían sido bebés. Barbie fue la “adolescente perpetua” y siempre a la moda. Los grandes costureros la visten, todavía hoy, con los estilos del momento.

Roger Vivier fue básicamente un escultor preocupado por la forma y la textura. Sus zapatos, los que diseñó en su taller parisino durante seis décadas desde 1937, se destacaban por los talones innovadores, que tanto podían imitar una copa, una pirámide o un caracol, o tener tantas formas cóncavas como convexas. Sus creaciones conjugaban el encanto de los estilos del siglo XVIII con los principios aerodinámicos (y materiales) de la ingeniería moderna.

Una vez más, como a principios del siglo XX, la guerra modificaba la moda. El racionamiento de todo, incluso de las telas para vestidos y ropa en general, llevó a redactar códigos especiales para la fabricación de la vestimenta. Los bordados y las pieles quedaron casi prohibidos. Los trajes sastre tenían un aire militar con hombreras altas que le daban un toque masculino.

Las casas de alta costura, francesas en su mayoría, cerraron sus puertas. Elsa Schiaparelli diseñó una última colección especial para tiempos de guerra. Consistía en pantalones y chalecos con infinidad de bolsillos y mecanismos transformables en casos de urgencia, que permitían llevar encima lo necesario cuando se debían abandonar las casas.

La improvisación y la imaginación surgieron entonces, con astucias hoy legendarias, como las de las mujeres que, al no tener medias de seda disponibles, dibujaron con lápices para cejas la costura de sus medias. 

Aparecieron, además, sombreros exagerados y graciosos, para aventar la negrura de la guerra.

Nidos de pájaros, hechos con materiales alternativos, eran los más comunes. Pero también resucitaron los turbantes que Poiret

había hecho célebres, y que esta vez les permitía a las mujeres esconder cabelleras dañadas y faltas de coiffeur. 

Salvatore Ferragamo

Las famosas sandalias de plataforma creadas por Ferragamo en 1938, llamadas “el zapato de los sueños”, eran de cuero dorado con degradé de gamuzas rojas, verdes, naranjas y grises.

La moda americana

Sin embargo, la moda de posguerra más interesante fue producida en Nueva York. La ropa creada por Charles James y Claire Mc Cardell merece citarse para destacar la originalidad y la elegancia independiente de sus etiquetas.

Charles James, modisto itinerante entre los Estados Unidos y Europa, define en su ropa un concepto escultural de la moda. Cada uno de sus vestidos, en 1944, anticipó la silueta de posguerra, que luego concretaría Dior, en su “new look”. Hoy, su más recordado hallazgo son las chaquetas cortas acolchadas hechas en satén. 

Por su parte, Claire Mc Cardell diseñó, en 1945, lo que ella llamó el “vestido del futuro”, confeccionado en sbantung marrón, de carácter informal. Consistía en dos triángulos enormes que se ataban en el cuello, adelante y atrás.

Los años treinta fueron el emblema por excelencia del entonces, pasó de ser un deportivo a convertirse en un vehículo de mensajes publicitarios, o souvenir de viajes, en 1939. Durante la guerra iniciada ese año y hasta 1945 se reveló su protagonismo.

Especialmente luego de ser usada por once millones de militares norteamericanos y, más tarde, en la posguerra, cuando se convirtió junto con el jean en el uniforme de todas las clases sociales.

En 1948, la marca “Fruit of the Loom” siguió el modelo de la marina norteamericana, bajo el nombre de T type, por su molde popular en todo el mundo muchas transformaciones y como consignas ideológicas y militantes en forma de “T”. Confeccionada en puro algodón blanco, se hizo pieza indumentaria de la juventud. Las tee-shirts sufrieron difundieron todo tipo de mensajes estampados en ellas.

Desde eslóganes políticos hasta publicitarios, pasando por de las posturas más diversas. Las técnicas serigráficas textiles, en 1954, y luego el transfer en caliente, contribuyeron a convertir esta prenda masiva en comunicación. 

Jeanswear

El origen de los jeans se remonta a 1896, cuando fue creado por Levi Strauss en San Francisco, California, confeccionado en denim. Más tarde, un catálogo de 1933 anunciaba el modelo 101, junto a otros, como ropa de trabajo. Especialmente el overall proletario o campesino de denim azul y, curiosamente, el black jean, realizado con sarga de ese color, muy exitoso, dado que los argumentos de venta sugerían que se ensuciaba poco. 

En éste y otros tonos, la moda del jeanswear, que cobró su mayor importancia en los años setenta, consagró todos los colores y las técnicas de tinturas y lavados para lograr el famoso efecto desteñido o gastado. En los años sesenta, los jeans empezaron a aburguesarse, y se modificó el modelo original western del Levi’s, hasta que al final de los sesenta se agregaron godets de géneros vistosos en las piernas, para lograr el efecto “pata de elefante”. De uniforme de trabajo pasó a ser modelo de vida informal, y vehículo de ropa cuasi erótica.

El señor Levi Strauss nunca pudo imaginar, a fines del siglo XX, que sería el padre de ese uniforme azul, estandarte vestimentario del mundo globalizado.

Si hay algo que tiene claro Chain es que la ropa es biodegradable, es decir que puede volver a ser empleada en la tierra sin contaminación de por medio ni sustancias tóxicas. Y justamente, desde que Lucía incursionó en este camino, primero con el Semillero UBA y luego con una catarata de desfiles de su ropa en Argentina y otros países, es que la sostenibilidad es algo infaltable en su trabajo.

Lucía Chain es graduada de la Universidad de Buenos Aires, donde hizo la carrera de Diseño de Indumentaria. El Semillero UBA es la prueba que tienen los estudiantes del último año de la carrera para demostrar sus conocimientos mediante un concurso. Desde que ganó el concurso, además de algunas presencias en la “Buenos Aires Fashion Week”, experimentó con su ropa en más de diez países y fue nominada como un “talento verde” por Vogue Italia y Vogue Talents en 2018.

¿Qué significa ser un talento verde en la moda? 

Son aquellos diseñadores que emplean la sostenibilidad en sus prácticas. Utilizan recursos más amigables con el medioambiente, minimizan la contaminación al máximo y apelan al reciclado para aprovechar y maximizar la cantidad de recursos. Chain, años atrás, señaló que el algodón que usa es “nacional” debido a que no “contiene tantos procesos químicos” y los “pesticidas son mínimos”.

Chain también sabe jugar con las prendas. La diseñadora entiende que la ropa reciclada, en algunos aspectos, puede ser menos duradera. Es por ello que manifestó hace un tiempo que su ropa es “durable” y aclaró que las prendas “ deben ser cuidadas y tratadas con amor”. Estas últimas frases aparecen en las etiquetas de las colecciones impulsadas por ella.

En un lugar más emotivo, Chain afirmó que no es artista, ni tampoco trata de imitar ese rol en su ropa, pero que se divierte “sacando la moda del lugar frívolo” y la pone en un lugar “más emotivo”, como a ella la inspira. Tal es así que una de sus colecciones lanzadas en 2018 estuvo apuntada hacia su abuelo.

El legado de la familia en su estilo de ropa

La familia cumple un rol destacado para Chain, y al momento de la introducción de su marca en el mercado, selló sus valores con el estilo de la ropa a vender. Durante una entrevista con Vogue, Lucía comentó que sus padres, involucrados en la industria agropecuaria y biológica, fueron el determinante para un estilo de ropa sustentable y con la mira en el cuidado del medioambiente y los recursos naturales de la Tierra.

Esta movida familiar la impulsó a usar “tintes naturales”. Chain fomenta los recursos nacionales y naturales, que provienen de los campos de su papá o desde las comidas en la cocina de su mamá, como las cáscaras de la cebolla. La ganadora del concurso Semillero UBA comentó que durante sus últimos años descubrió muchas cosas que luego utilizó en sus colecciones.

Para todos

Una entrevista de la argentina con La Nación reveló que usa tinturas provenientes de la remolacha o la yerba para teñir la ropa. En la misma charla, la diseñadora expresó que la mayoría de sus clientes “son internacionales” y que al momento de la fabricación de su ropa, no se basa en un estilo de cuerpo, sino más bien que “sea para todos” bajo un estilo de vida.

Lucía Chian diseña ropa para hombres y mujeres. Otros ejemplos innovadores son los botones de las camisas, hechos con descartes de madera. Chain, en su entrevista con Vogue, aclaró que solo trabaja con pedidos para fomentar la biodegradabilidad de la ropa, sin la base de un estereotipo y más universal.

La diseñadora de moda explicó que sus colecciones de ropa son “atemporales” y cuenta con una estrategia apuntada a la variedad de líneas dentro de las colecciones, además de tener una línea de básicos con precios más accesibles. Dentro de sus líneas, además de que introduce a la industria nacional, rechaza la explotación animal para la fabricación de ropa. En su pasado trabajó con lana, pero dijo que ahora “no quiere hacerlo más”.

La moldería funcional también reluce en el negocio de Chain, que hace la ropa a mano con el objetivo de sacarle el jugo a todos los recursos y no desperdiciar nada. Con estas premisas, la ganadora del concurso hace más de diez años enseñó varias de sus colecciones alrededor del mundo, y hoy es un ejemplo a seguir, no como un talento verde, sino como una realidad. 

Lagerfeld

Luego de sus trabajos para Fendi y para Chloé, hacia fines de los setenta y comienzos de los ochenta, el llamado “káiser de la moda de los ochenta”, Karl Lagerfeld, fue convocado en 1982 para el gran desafío. Se trataba de actualizar y vender la imagen del gran mito del siglo XX: Chanel.

Nadie pensó entonces que el costurero alemán habría de deconstruir a tal punto el estilo de denim de algodón, propia del jeanswear. Las faldas que llegaban justo debajo de la rodilla colecciones Chanel con Lagerfeld oscilaron entre los muslos y los tobillos, según el modelo. De igual modo, los accesorios clásicos de Mademoiselle fueron transformados por Lagerfeld, quien definió los nuevos sobredimensionando las famosas perlas y haciéndolas casi tan grandes como pelotas de golf, en cinturones con cadenas pesadas y ostentosas, como las de un cantante de rap, según dijo.

Muchos le reprocharon el haber vulgarizado el estilo, pero los accionistas de la etiqueta se roben noire realizada por Lagerfeld en 1987 tenía botones dorados en sintieron aliviados. Las ventas habian subido considerablemente. Para él, la moda seguía actuando pecados de mal gusto que la propia Chanel hubiera forma de sofá o de torta de frutillas, eran más dignos del como un disparador de cambio. Incluso se animó a cometer detestado, o se hubiera reído de ellos. Algunos sombreros, en llamativo, realizado en satén rojo con bordados de oro, recordaba lo imaginario de Schiaparelli, inspirada por Dalí. La versión de la petite trompe l’oeil, mientras que un traje de noche escandaloso por lo que la propia Mademoiselle dijo en cierta ocasión para afirmar su “Hacer un vestido Scherezade es fácil. Un vestidito simnple, eso es lo difícil”.

Jean Paul Gaultier

Según Gaultier, cada época tiene sus ídolos convertidos en víctimas de la moda. Madonna fue su mejor vidriera y el portavoz que rompió con los tabúes de la moda burguesa. Para el modisto francés, la seducción debe correr parejo con la subversión. En base a esa certidumbre, Jean Paul Gaultier fue la gran vedette de los años ochenta. Sus mayores transgresiones fueron la falda para los hombres y el corpiño cónico que Madonna lució con tanto éxito en el Blonde Ambition Tour, ampliando ese toque sado-maso de la gira y reemplazando los soutiens blancos y las medias de red que la diva lucía.

En 1985, el juego de los géneros hombre mujer dio lugar a las faldas para hombre, en colecciones como “Joli Monsieur”. Su creador decía: “Los papeles sexuales son nada más que un juego. Las jovencitas saben que vestirse como una puta no significa nada en el plano moral, y que las verdaderas prostitutas pueden ser, algunas, mujercitas vestidas con un tailleur Chanel”.

Algunos años antes, en 1982-1983, Gaultier había triunfado primeros vestidos con corset. el guilt escocés que lució en los medios) y la versatilidad, unidos a con una colección que evocaba la época del existencialismo, pero apelando a la inspiración dadaísta. Allí aparecieron los famosos conjuntos de camiseta. El suceso de imagen se debe al Humor (como lo demuestra su rayada típicamente francesa con un gran conocimiento de las técnicas y la historia del vestido. 

De todos los modistos que adoptaron formas de provocación en la moda de los últimos años del siglo XX, Gaultier fue quien las practicó con mayor eficacia, mezclando épocas, estilos y usando “clichés “para reinterpretar el guardarropa femenino y masculino con ironía y humor. Las provocaciones de Gaultier están a la par de las de Vivienne Westwood, aunque la ropa de la inglesa fuese más difícil de llevar. Y mucho más violenta y agresiva.

Cabe aclarar que la vida adolescente de Givenchy no comenzó inicialmente en la moda, ya que sus primeros estudios estuvieron ligados al Derecho. Con 17 años se dio cuenta que su pasión era la moda y se instaló definitivamente en París para estudiar Bellas Artes y respirar al 100% la elegancia y la ropa parisina. Durante sus estudios también colaboró con distintos diseñadores, lo que significaron sus primeras prácticas en la industria. 

El deseo de su familia por que fuese abogado no se cumplió y consiguió una pasantía en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Francia para estudiar dibujo. En el medio comenzó a identificarse con varios personajes dentro de la moda. La formación en la prestigiosa escuela parisina, sumado a su amistad con Cristóbal Balenciaga, le abrieron paso a crear su propia marca de ropa que llevó su propio apellido. Previo a su relación con Balenciaga, se vio representado con Christian Dior. 

El nombre que incentivó los proyectos personales de Givenchy fue Balenciaga, un gran amigo al que “admiró por mucho tiempo” y que lo calificó como el “arquitecto de la alta costura”. La amistad con este exitoso y reconocido diseñador de moda fue clave para el lanzamiento de su marca en 1952.

Givenchy y su primera colección exitosa

La primera colección de Givenchy fue todo un éxito. Con solo 25 años, y sin tener una variedad de recursos en su haber, el joven francés se las inventó para lanzar sus propias prendas con lo que tenía. ¿Qué hizo? Utilizó algodón para confeccionar camisas masculinas. El desenlace fue positivo y generó repercusiones muy buenas en el entorno. 

Con el dinero que obtuvo con su colección, saldó sus deudas con los inversores y desde allí asumió el control total de su firma de ropa. De a poco, Hubert adoptó su propio estilo, sencillo, relajado y con un juego de líneas y trazados. No tantos colores sino más bien clásico y sencillo.

Audrey Hepburn

¿Qué tiene que ver Audrey Hepburn, una reconocida actriz de Hollywood y de las personas más influyentes del cine con Givenchy? Bueno, la relación de amistad de ambos rompió todos los esquemas de la moda. La palabra “musa” es muy utilizada en la industria y se utiliza cuando una modelo, actriz o simplemente la mujer femenina es una fuente de inspiración para el diseñador.

“Es un creador de personalidad” ha llegado a decir Hepburn sobre el diseñador, aunque su frase más fuerte para él fue: “Su ropa es la única con la que me siento yo misma. Ambos se conocieron en 1953, un año después del lanzamiento de la marca Givenchy y el mayor recuerdo es cuando la actriz utilizó un vestido negro con diamantes en una película.

Una escena cinematográfica que recuerdan los apasionados del cine durante el film “Breakfast at Tiffany’s”, donde se visualiza a Audrey con un hermoso vestido negro con diamantes mientras desayuna una croissant. Entre la década del 50 y el 60, Givenchy se caracterizó por confeccionar prendas elegantes para la mujer. La moda femenina implementada por él tuvo la intención de adaptar la ropa al cuerpo de la mujer, para que las damas puedan relucir su feminidad. 

La amistad entre Audrey y Givenchy duró más de cuarenta años y el primer contacto fue para un desfile. Desde allí un sinfín de prendas entre películas, desfiles y el famoso vestido negro que será recordado por mucho tiempo. 

Uno de los datos más sorprendentes de Givenchy es que fue el primero en la industria de la moda en lanzar la línea “pret-á-porter”, una línea de ropa orientada a la practicidad y lista para llevar. 

Últimos años

Los años posteriores Givenchy se dedicó a diversificar su línea de productos. Además de la ropa, diseño perfumes, accesorios, joyas, etc. Y ya para la década del 90, Hubert vendió la marca y actualmente es una subsidiaria del grupo LVMH, que lidera Bernard Arnault. La venta se produjo en 1988 pero lideró su marca hasta finales de los 90.

Como dato de color, el francés encabezó la construcción del museo Balenciaga en Getaria. La amistad entre ambos fue sumamente intensa y desde siempre Givenchy se declaró admirador de Cristóbal. A sus 91 años, falleció y los últimos años de su vida vendió varias de sus colecciones antiguas. Un precursor del algodón, del pret-á-porter y que se identificó con grandes diseñadores desde su comienzo. Actualmente la marca está involucrada con los perfumes y en 2019 anunciaron a Ariana Grande como parte de una campaña.

En realidad, los japoneses, controvertidos al principio, modificaron los códigos de la moda occidental transgrediendo el sentido de las proporciones e imponiendo el negro absoluto. 

A fines de los ochenta, el negro fue el emblema de la vanguardia en el vestir, algo que quizás había comenzado en los años cincuenta con los existencialistas e intelectuales franceses. Rei se consideraba fanática del no color, y manejó una paleta de hasta una docena, o más, de negros diferentes. Los vanguardistas japoneses impusieron el negro absoluto como lo que había sido antes: el símbolo del anticonformismo. Los demás jóvenes diseñadores que coincidían con ese concepto se apropiaron del emblema y se plegaron masivamente al negro. En los ochenta, el negro comenzó a aparecer en las pasarelas y en los invitados a los desfiles de moda, especialmente en la vestimenta de las periodistas de moda, y en los noventa se convirtió en el color sin rival. Una nueva ola de jóvenes vanguardistas japoneses apareció en Paris a comienzos de los ochenta. Los dos nombres más importantes de todos ellos, y que continuaron su éxito en estos días, fueron Rei Kawakubo y Yohji Yamamoto.

Rei Kawakubo comenzó a imponer su estilo en Japón a principios de los años setenta, pero se hizo conocer cuando abrió su primera boutique vitrina en París en 1983, mostrando su “look pobre” con vestimentas que dejaban un ruedo sin coser, desestructuradas, agujereadas y con jirones. Produce gran sbock, en un momento en que todo era “glitter” y sexy; acentuó el cuerpo y las formas afirmando la monocromía del negro, que ya nunca se iría de la moda del siglo, y comenzó la tendencia de trabajar la vestimenta como volumen en el espacio. La prensa, en su inicio, consideró que las colecciones de Kawakubo que llevaban su parecían escapadas de la ropa habían elegido esos modelos para evitar destrucción provocada por la bomba atómica, y que las mujeres que se sintiera placer al mirarlas.

Otros consideraban que las creaciones de Refieran interesantes, pero difíciles de usar. La propia creadora contestó que cada agujero en su ropa había sido calculado y era el resultado de una elección técnica y estética. “Las máquinas producen telas perfectas, sin defectos. Las telas tejidas a mano, en cambio, no lo son, aunque no las uso para la producción industrial.

Amo lo que no es perfecto. Por eso he llegado a modificar mecanismos de mis máquinas de manera que se comporten caprichosamente, elaborando formas y texturas inesperadas, bellísimas e inéditas”, afirmó Rei Kawakubo. A pesar de los detractores de un principio, ella posee actualmente trescientas boutiques repartidas en treinta y tres países.