Mercedes Krom es la fundadora,  una experimentada en la industria y que trabajó con muchas marcas asociadas a la producción de jeans, entre ellas “Levi ‘s”. Limay es el nombre de la marca debido al Río Limay, ubicado en su ciudad natal. Y en la actualidad, una de las recientes colecciones presentadas en la BAFweek se llamó “Refugio Popular Limay”, también arraigado con su provincia. 

Si bien no es una marca que nació con el foco 100% sustentable, han implementado ciertas técnicas ecológicas. Se destacan por ser una compañía “genderless” (sin género) y tratan de confeccionar jeans que sean duraderos y flexibles. Además de su reciente participación en la Fashion Week de Buenos Aires, Limay Denim lanzó una campaña junto a ex combatientes de la Guerra de Malvinas. 

La ecología aplicada en Limay Denim

Limay Denim ha ganado mucho terreno en la sustentabilidad. Al ser pionera en la producción responsable de jeans, las prácticas ecológicas implementadas en la fabricación aumentan la responsabilidad en todo el sistema productivo de la marca. Desde Limay manifestaron que no “usan plástico en los envíos”, “reciclan los descartes”, “utilizan menos cantidad de agua en los lavados” y fomentan la industria nacional”.

El último punto siempre ha sido esencial para la marca con raíces neuquinas. Krom detectó que el mercado de jeans a nivel nacional y con prácticas ecológicas era inexistente. A raíz de esa situación, su marca, sin género, cuenta con una externsa variedad de talles. Empezaron desde el 38 y en la última tanda lanzaron el talle 62.

En una entrevista, la fundadora de la marca justamente dijo que “no quiere ser una marca”. En el diálogo con el medio recalcó que desea que Limay siga priorizando el lado humano. Mercedes cuenta con una larga experiencia en el “mainstream” y las multinacionales. Debido a su pasado en Levi’s u otras compañías similares, anhela con que su proyecto “crezca horizontalmente” y que “mantenga los valores”.

Refugio Popular Limay, la colección exhibida en la BAFWeek 2025

En marzo del 2025, de cara a la colección otoño/invierno en la Fashion Week de Buenos Aires, Limay Denim se hizo presente con su nueva colección denominada “Refugio Popular”. En todo el sistema de producción, el emprendimiento fomenta la industria nacional y la cooperación en la economía popular. La colección ofrece abrigos y una indumentaria con un estilo urbano y jovial.

Cabe destacar que tan solo el 10% de la colección fue compuesto por materias primas importadas. El resto fue elaborado por la industria nacional. Las bolsas de los envíos están compuestas por almidón de maíz y la confección de las prendas se hizo teniendo en cuenta el menor impacto ambiental posible. 

Dentro de las acciones que fomenta la marca figura el “Roper Circular de Limay Denim”. Esta propuesta se basa en el intercambio de prendas no utilizadas por prendas en stock o en remanente. Cuando un cliente de Limay deja de utilizar un jean o una prenda y queda guardada en el ropero, la idea de la marca es intercambiarla por otra que ellos ofrecen y así no descartar ninguna prenda y que siga en circulación.

La particular campaña de Limay con los excombatientes

La más reciente movida impulsada por Limay Denim fue nada más y nada menos que una campaña publicitaria con excombatientes de la Guerra de Malvinas. El 10 de junio, en el marco del “Día de la Afirmación de los Derechos Argentinos sobre las Islas Malvinas, Islas del Atlántico Sur y el Sector Antártico”, Limay lanzó una campaña par promocionar la creación de un museo por parte de los excombatientes para impulsar la “memoria viva” de los caídos.

Desde ambas partes resaltaron la idea de fomentar la causa y mantener vigente la memoria histórica de los caídos en Malvinas. La fotografía principal de la campaña reunió a seis ex combatientes que posaron con jeans de Limay. A través de las redes sociales, el proyecto de Neuquén posteó algunas fotos de la historia viva de los ex combatientes desde San Miguel.

El objetivo de los ex combatientes es promocionar la historia vigente y visibilizar un pedido de espacio para promover un museo en pos de recordar la memoria de los caídos. 

Esto es Limay Denim, una marca “no marca de ropa” que se entromete en causas sociales, inclusivas y fomenta la industria nacional, no solo desde el lado de la moda sino en asuntos históricos. Desde Neuquén, donde pasa el Río Limay, la marca de jeans mantiene una producción responsable, con componentes principales hechos en el país y prácticas ecológicas. 

El camino de  Zolezzi es muy interesante. Dentro de los cuatro “grandes” de la moda, (París – New York – Londres – Milán) la nacida en Corrientes trabajó en dos y fue entrevistada por un medio milanés al inicio de su emprendimiento. Desde chica es apasionada por la moda, a tal punto que tenía su propia máquina de coser y se confeccionaba sus propios atuendos para los desfiles de su ciudad natal. 

Estudió Publicidad y Hotelería en Buenos Aires, en 2001 y luego hizo un curso de Diseño de Moda en una institución en Londres. Su trabajo en las ciudades implicadas en la moda estuvo relacionado con el desarrollo de mercados internacionales en distintas marcas, además de hacer acciones de marketing y demás. 

Desde su creación, Maydi fue creciendo y generando una buena repercusión en la industria. Hace un par de años que algunos investigadores del CONICET trabajan en conjunto con la diseñadora argentina. En 2019, cinco años después del lanzamiento de la marca. la compañía obtuvo el certificado “Wildlife Friendly” que reconoce aquellas empresas que aplican prácticas agradables hacia el medioambiente y su conservación.

¿De qué trata las fibras naturales utilizadas por Maydi?

“Todas las fibras son naturales, de origen vegetal y animal” aseguró Zolezzi en una entrevista. Cuando regresó de Francia, la diseñadora entendió que quería hacer algo propio con los “recursos naturales de Argentina”. En reiteradas ocasiones la diseñadora fue consultada sobre la idea de una marca de ropa con fibras naturales, y siempre respondió que “surgió ante la necesidad de hacer una producción local con conciencia”.

Para contextualizar, en el 2014, cuando Zolezzi emprendió con Maydi, no era muy común hablar de “moda sustentable”. En la actualidad, once años después, muchos emprendedores han irrumpido en la industria con diferentes proyectos que abarcan la sustentabilidad en la moda y emplean la economía circular. 

Zolezzi, antes de crear lo que hoy en día se conoce como “Maydi”, sabía que su marca tenía proyección internacional. El contacto con un proveedor y un productor fue el quiebre para el arranque de su marca. Fue invitada a Italia para una feria, allí presentó sus primeros modelos y desde ahí que no frenó.

“Se obtienen de forma completamente natural a través de la extracción de pigmento en plantas nativas como el palo amarillo, tara, guayacán, y la distintiva cochinilla de Argentina y Latinoamérica” resumió Zolezzi acerca de algunas de las fibras naturales que utiliza en su producción.  Las fibras de bambú y cáñamo también predominan. 

En cuanto a los colores, el marrón, rosa, amarillo, celeste y gris son los que destacan en las prendas. La marca desarrolló un estilo minimalista y comprende las siluetas que están en tendencia. Sobre el equipo de trabajo, aproximadamente quince personas se dividen entre las líneas de hombre, mujer y accesorios y todas las prendas las confeccionan los artesanos.

Exposición internacional

Su proyección internacional fue acertada y Zolezzi exhibe algunas de sus colecciones en un showroom situado en París, un lugar que conoce muy bien ante su experiencia laboral.

Estas cuatro ciudades dividen su calendario semanal y año tras año presentan sus “semanas de la moda”, también conocidas como “Fashion Week”. En el marco de la semana de la moda masculina, Maydi se presenta como una marca de ropa con  fibras naturales en sus prendas. La última colección, exhibida en 2024 ,estuvo inspirada en “las flores y la música”.

“Quiero ser un ejemplo para las nuevas generaciones de que se puede generar conciencia en el consumo, dar trabajo a los artesanos y cuidar el medioambiente” dijo Zolezzi. Maydi, además de sus presentaciones en el exterior, cuenta con el sitio web, donde vende vía online, y tiene un local físico ubicado en Palermo, CABA. 

La particularidad con el mercado japonés

Maydi no solo llegó al mercado argentino y europeo. Tres años después de que Zolezzi irrumpió con su marca, recibió un pedido de casi 250 prendas desde una tienda importante ubicada en Tokyo, Japón. Ante la enorme demanda, la diseñadora reveló que “no tenía plata para producir todas las prendas” y que “sus padres la ayudaron”.

Desde ahí entendió que tenía que involucrarse más con el diseño y con los productores. En la actualidad la situación se revirtió, con un extenso equipo bien dividido que ataca todas las secciones. 

Con fibras naturales provenientes de animales o vegetales, y con un certificado que avala el proyecto, María Abdala-Zolezzi ha creado una marca sustentable y referente en las fibras naturales. Una marca que tiene en cuenta al medioambiente y la delicada situación que transita ante la contaminación global.

Aldi Vega generó mucha repercusión en los últimos años en Argentina ante su modelo de producción y fabricación. Brenda Coronel comenzó el proyecto a través del reciclado de descartes en su barrio. Se crió una zona donde los talleres abundan y los descartes también. Junto a su mamá recorrieron distintas zonas, reciclaron los desechos de las personas y dieron inicio al proyecto.

“Yo no elegí ser sustentable, se dio porque en mi casa no había otra cosa” una frase de Coronel que resume a la perfección el origen de su marca. En un contexto de una familia trabajadora, Aldi Vega fue ayudada por su familia para salir a buscar los “retazos” que descartaron las personas. Hoy, esos retazos le dieron vida  a una marca que vistió a varias figuras artísticas y que apunta a seguir creciendo. La marca ya superó los 30mil seguidores en Instagram. 

Los inicios de la Aldi Vega

Hay un plus dentro de la moda sustentable porque los diseñadores, o simplemente emprendedores, le dan un nuevo “valor” al descarte. En este caso, Aldi Vega surgió con la idea de transformar esas prendas y darles vida como si fuese un “juego”. Ante las dificultades económicas de su familia, Brenda y su madre se adueñaron de telas, jeans y otros descartes abandonados en los talleres.

“Buscábamos que la moda pueda ser una herramienta de identidad y conciencia, todo desde nuestro barrio” dijeron Brenda y Camila, desde Monte Grande. Esa transformación provocada por el reciclaje y la reutilización de prendas fue el impulso para ofrecer una nueva identidad en la ropa. “Donde otros ven descarte, nosotras vemos una oportunidad” destacó la CEO.

En una entrevista, ambas mujeres indicaron que un par de veces “las subestimaron por venir de familias de clase media-baja” y por no tener “una larga lista de contactos”. Sin verlo como algo negativo, tanto Camila como Brenda vieron estas acciones ajenas como un plus para ser más “creativas” e imponer una identidad  a base de la sustentabilidad y los “retazos”.

La relación de Aldi Vega con la escena musical

Brenda siempre estuvo en la movida de las “batallas de gallos”, competencias de freestyle de rap improvisado que suelen hacerse en espacios públicos, como plazas u otras zonas, como también en escenarios privados. Luego de merodear por años en esta escena artística, Aldi Vega conoció  a distintos artistas que fueron vestidos por ella. El primero fue Sheka y luego vinieron “Cazzu, María Becerra, Nicky Nicole, Duki”, entre otros. También Natalia Oreiro lució indumentaria de Aldi Vega.

“Esa validación nos llena de orgullo. Sentimos que nuestro trabajo, hecho con amor y coherencia, llega cada vez más lejos” expresaron desde la compañía que inició con retazos y se animaron a jugar con distintas telas y texturas. En la actualidad, Aldi Vega vende a través de la tienda online pero mantiene la esencia de trabajar y cooperar con talleres barriales, con el objetivo de no perder la identidad. 

Desde la marca hicieron hincapié en los valores, el trabajo artesanal, la originalidad y el hecho de que sea de la “industria nacional”. Tanto Camila como Brenda, desde sus orígenes y el crecimiento de la marca, aspiran a que Aldi Vega se consolide como una compañía con “proyección internacional”.

Reconocimiento en el premio DAE

Camila como Brenda manifestaron que la obtención del premio otorgado por el programa Diseño Argentino Exponencial, impulsado por el “British Council” fue un punto de quiebre para ellas, que consolidaron su marca y entendieron que puede seguir creciendo mediante la ayuda de mentores y desde “los márgenes y la visión establecida”

A su vez, luego de la obtención del premio, Camila y Brenda añadieron: “Estar con tantos profesores que le dan tanta importancia a la sustentabilidad y ver las consecuencias de la industria textil, que es una de las más contaminantes del mundo, nos terminó de cerrar por todos lados”.

Aldi Vega, con inicios en los barrios de la Provincia de Buenos Aires, y en la búsqueda de telas y descartes ante la imposibilidad de comprar telas, transita un momento muy bueno. Brenda Coronel (Aldi Vega) es la cara visible y Camila, la CEO.

La empresa de moda sustentable, que recicla y elabora prendas con una identidad muy marcada, pretende ascender a nivel internacional pero sin perder la esencia que caracteriza a la marca. El valor artesanal, la industria nacional, etc. 

¿Qué es el bambú? Originariamente es una planta proveniente de la familia de las gramíneas. Se utiliza en diferentes ámbitos debido a las características que posee, siendo una de ellas la industria de la moda. Ante la buena iniciativa impulsada por Get Wild, el Ministerio de Agroindustria determinó el certificado del “Sello Bioproducto Argentino”.

El tallo del bambú es rígido pero a la vez flexible y presenta un desafío completo en la industria de la moda. Get Wild sortea todos esos obstáculos y a través de su sitio web dejó en claro que el bambú cumple una función “térmica” en la ropa de “invierno” y “liviana” durante el verano. Agustina Trovato y Gabriela Rivero son las que encabezan el proyecto, de impacto social, positivo y sustentable en el país.

¿Y por qué bambú? Get Wild utiliza las fibras de la planta, que cuenta con más de 1000 especies en todo el mundo y crece rápido. Ambas emprendedoras explicaron que el proceso de recolección de la fibra, de todas formas, es complejo. Deben separar el componente que une a las fibras, y mediante vapor y calor transformar la pasta que sobra en un tejido que termina siendo una tela muy “suave e hipoalergénica”, que refiere a una tela que tiene un porcentaje muy bajo en generar una reacción alérgica.

Las ventajas de las fibras de bambú en la moda

“Una vez que te pasas al bambú, no hay vuelta atrás” señalaron ambas emprendedoras, que destacaron que el proceso final de la fibra es muy parecido al “algodón”. Además de que el tejido es hipoalergénico, provee mayor “suavidad y comodidad” en la piel para las personas. Desde Get Wild aseguraron que su modelo de negocio se basa en precios más bajos para conquistar más personas y llegar a todos los “rincones del país”.

La composición de la planta (sus fibras y tallos) genera protección contra los rayos UV. La fibra del bambú bloquea los rayos del sol y en verano, sobre todo, aporta frescura y flexibilidad en la piel de la persona. También actúa como efecto antimicrobiano, que alude a la reducción de olores y una duración extra de la planta. “Nuestras prendas son ideales porque no tienen micro plásticos y además son muy suaves” indicaron desde la marca. 

La historia de Get Wild es particular. Ambas emprendedoras que encabezan el proyecto habían estado vinculadas con el mundo de las telecomunicaciones. Los años previos al lanzamiento de la marca, hicieron una investigación profunda acerca del bambú y los posibles efectos en la industria textil. Dentro de las miles de especies que hay de la planta, sólo cinco pueden extraer el hilado para formar un tejido, y una de ellas abunda en Argentina.

El modelo sustentable de Get Wild

La marca, que cuenta con un local físico en Recoleta, CABA, y su negocio digital mediante el sitio web, mantiene una estrategia de precios bajos para capitalizar más clientes. Si bien el producto que ofrece la marca es duradero, hay una serie de indicaciones que son importantes para mantener en óptimas condiciones la ropa.

El bambú es una fibra que debe lavarse a mano con agua fría, no debe pasar por las secadoras y tiene que tener un momento de sombra para mantener el componente de la planta. También, al ser antimicrobiano, el material no se desgasta en los lavados.

Get Wild mantiene un modelo sustentable y pudo llevarlo a cabo ante la profunda investigación que hicieron Trovato y Rivero, ambas involucradas en los campos de estudio de la investigación y las prácticas verdes. Luego de varios años de conocimiento acerca del bambú, y de cómo funciona el producto, lanzaron al mercado la marca.

Incluso, ambas emprendedoras afirmaron que al principio tuvieron “todos los obstáculos posibles”, y que sigue siendo un desafío para ellas “la confección de prendas”. Luego de varios años al frente de la marca, e instaladas con su propio local, apuntan a consolidar “equipos de trabajo a la vez que generamos más oportunidades de impacto social, como la confección en centros de detención y alianzas con organizaciones”.

En su momento, ambas fueron catalogadas como las “locas del bambú” ante su persistencia por instalar en la moda un nuevo concepto, sobre todo en Argentina. El bambú, parecido al lino y al algodón, según manifestaron desde la marca, ofrece una gama de características positivas que alientan el impacto positivo y social que pretende la marca en Argentina, con el afán de llevarla a todos los puntos del país. 

Ralph Lauren es una de las primeras marcas de moda que lanza su propio chatbot denominado “AskRalph”, un asistente de IA que simula el trabajo de un estilista y ayuda a los clientes y consumidores de la marca a encontrar el estilo indicado o navegar por la paleta de productos de la empresa. El agente de inteligencia artificial fue impulsado por Azure OpenAI, una plataforma de Microsoft, en alianza con la marca de ropa. 

Varias empresas de diversos rubros han implementado chatbots para ayudar y facilitar la búsqueda o inquietudes de los usuarios. La particularidad de Ralph Lauren es que el asistente provee una serie de conocimientos específicos sobre las prendas de la marca y simula el trabajo de un estilista, una persona capacitada para asesorar la imagen de una persona.

“Ask Ralph es algo más que un descubrimiento: se trata de involucrar a los consumidores con lo que más les gusta de Ralph Lauren” dijo una fuente directa de la marca, y añadió que hace varios años también estuvieron fusionados con Microsoft en el lanzamiento de una plataforma de comercio electrónico. Varios años después, la IA los ha unido nuevamente. 

Tanto Microsoft como la marca de ropa dejaron en claro que el chatbot está capacitado para comprender e interpretar las preguntas específicas de los usuarios. Desde un consejo sobre la prenda ideal para ir a un concierto nocturno, o la variedad de jeans o chombas para buscar en la tienda, AskRalph cuenta con las herramientas para satisfacer las inquietudes de los consumidores.

AskRalph, más que un asistente de IA 

Varias fuentes señalaron que el nuevo asistente virtual de Ralph Lauren no solo aconseja o recomienda, sino también que repregunta y ultima detalles para que la experiencia junto al usuario sea completa. “Ofrece looks atemporales de pies a cabeza que los inspiran a adentrarse en nuestro mundo” resumió el Director de Marca e Innovación de la compañía.

Desde Ralph Lauren también destacaron que la herramienta fue entrenada en base a las búsquedas de los usuarios y el estilo de la compañía. AskRalph está capacitada para ofrecer looks enteros y los empleados de las tiendas físicas ofrecieron información valiosa sobre cómo interactúan con los clientes para optimizar al chatbot. A mediados del 2025, el asistente virtual de IA fue lanzado mediante la aplicación para los usuarios en Estados Unidos. 

“Estamos orgullosos de traer la combinación de nuestras capacidades de IA generativa de confianza a través de Azure OpenAI junto con la marca icónica de Ralph Lauren” dijeron desde Microsoft. Desde ambas partes resaltaron la buena relación desde hace años con la plataforma de comercio electrónico y en la actualidad con AskRalph.

Desde la marca de ropa agregaron que el chatbot será modificado con el paso de los años con el objetivo de una experiencia más personalizada hacia el usuario. El marketing digital también será una parte fuerte a evolucionar, al igual que la IA y sus herramientas más elaboradas. La realidad es que los usuarios celebran experiencias digitales más personalizadas e interactivas. 

Microsoft insistió en la parte de que la inteligencia artificial “transforma la manera en que los consumidores se inspiran, educan y compran a las marcas de moda de todo el mundo. 

Ralph Lauren, sinónimo de innovación

El gigante tecnológico aseguró que la marca de ropa fue pionera hace más de veinte años por el desarrollo de la plataforma de comercio electrónico. Incluso, Ralph Lauren, desde sus inicios, ha experimentado diferentes niveles de innovación y nuevas vivencias. Uno de ellos fue la incorporación de la compra interactiva, que aplica la inteligencia artificial y diferentes transmisiones para simular “outfits”.

La compañía insertada en la industria de la moda también ha incursionado en los hologramas y las proyecciones 4D. Estas pruebas son parte de la personalización que busca la marca hacia los usuarios, además de la mejora en el marketing digital. Con el lanzamiento de de AskRalph, desde la marca afirmaron que el asistente virtual ayuda a predecir el inventario o la demanda.

Muchas empresas de ropa utilizan la inteligencia artificial para anticiparse a las tendencias y analizar la posible demanda. ¿Cómo influye en las marcas? Optimizan sus operaciones y son más ágiles para satisfacer las necesidades de los clientes.

La certeza es que Ralph Lauren, una vez más, ha innovado en la industria con su nuevo chatbot denominado “AskRalph”, un asistente que imita el trabajo de un estilista y provee diferentes herramientas para aconsejar al cliente. La inclusión de la IA fue promovida por Microsoft, nuevamente una alianza que marca un punto a favor entre ambas organizaciones. 

La alta costura es un nicho dentro de la moda y está apuntado a una clientela exclusiva. Se diferencia del pret-á-porter, que alude al término ropa “lista para llevar” y se mantiene como un rubro hiper exclusivo. Así como se asentó en Francia y luego se extendió en el mundo, Argentina también tuvo su cuota de haute couture mediante algunos diseñadores que lo fomentaron.

Incluso, con el paso de los años nació el concepto pret-á-couture, una mezcla entre lo dinámico y rápido del “ready to wear” con la alta costura. Una fusión entre los dos mundos que surgió hace unos años y que irrumpió como una alternativa. Argentina adoptó las raíces de la alta costura francesa y luego de la Segunda Guerra Mundial aparecieron las primeras modistas que profundizaron la temática.

La historia relata que en un principio no existía la alta costura como tal en Argentina. ¿Por qué? La clase alta era clienta de la moda parisina y directamente compraban e importaban los vestidos desde el país. Y la clase media imitaba e igualaba los diseños con detalles parecidos, algo que no estaba mal visto en su momento.

Varios artículos de la industria de la moda, sobre todo algunos historiadores, remarcaron que la alta costura fue nacionalizada por Argentina. Una nomenclatura o término que desembarcó en el país a través de Jeanne “Madame” Paquin, una diseñadora de moda francesa que abrió una sucursal en Buenos Aires en el siglo XX y fue pionera en el negocio de la moda moderna. 

Varias francesas, luego de la Segunda Guerra Mundial, aterrizaron en Buenos Aires para asentar sus diseños parte de la moda francesa. A partir de la década del 60, varios lugares se insertaron en la cultura argentina y desarrollaron la haute couture. Varias de ellas eran “maison”, un término francés que refiere a hogar.

Alta costura en Argentina: el rol de Gino Bogani

Rosina Corradini instaló la alta costura en Argentina. Una italiana que desembarcó en el país y recordó durante una entrevista que era de las pocas modistas de la época. Otro de los nombres, quizá el más importante en el desarrollo de la haute couture en el país fue Gino Bogani, un libanés que a partir de los 70 generó una revolución en la moda argentina.

Bogani destacó que hay una “confusión total” sobre la alta costura, y que no significa que si alguien “confecciona un vestido largo” es parte del nivel de producción. “La alta costura absorbió la calle para sofisticar el look” resumió el libanés hace unos años.

El libanés, en cierta manera, fue calificado como pionero de la alta costura en Argentina debido a su talento y confección de prendas artesanales. “Sé que mi trabajo estimuló a muchos a encarrilar dentro de la moda. Es algo de lo que estoy muy contento, se que fui pionero de alguna manera” precisó.

A pesar del avance rotundo en la moda y el nuevo nivel de producción pret-á-porter, que surgió en el siglo XX y traspasó a la alta costura, Argentina todavía mantiene ateliers y diseñadores que fomentan el haute couture. Las revistas y los sitios enfocados en la moda afirman que el estilo se relaciona con los vestidos de novia, apuntados a los detalles, bordados y piezas únicas hechas a mano.

Actualidad del estilo en el país

Gabriel Lage es otro de los diseñadores con una trayectoria importante en el país sudamericano. Se ha destacado por la alta costura y en 2024 ha sido nombrado “personalidad destacada de la cultura” por la Legislatura porteña por su impacto en la industria. Fabián Zitta, con su atelier en Recoleta, también se ha desempeñado como un diseñador abocado a la alta costura y sus diseños de vestidos para novias.

Pía Carregal es otro nombre que se diferencia por su trabajo artesanal y apela al pasado para rememorar el trabajo con detalles puros y la exclusividad de los modelos. El nivel de producción también se ha reversionado ante la dinámica de la industria y la necesidad de adaptación, aunque la clientela, las diseñadoras y las horas de trabajos se mantienen.

Argentina implementó el pret-á-couture, un estilo que combina “listo para llevar” y alta costura, una mezcla entre generalizado con el lujo y la exclusividad. Zitta se ha caracterizado por llevar a cabo estas prendas. Muchos de estos conceptos también se han modernizado ante el avance de la moda. 

¿Alta costura si o no? Una nomenclatura extraída de París e impulsada por italianas y francesas que llegaron a Argentina con sus diseños. Y a partir de allí, una serie de diseñadores que trabajaron con el lujo mediante la copia de diseños y luego con confecciones propias. 

La moda tuvo cambios significativos tanto para los hombres como para las mujeres. Si bien el sistema de clases era rígido, el ascenso de Eduardo flexibilizó gran parte de la clase alta y baja, con la aristocracia en su auge mediante el lujo y los deportes como forma de ocio. Por otro lado, la clase baja, alejada del lujo y de aquella vida.

La moda femenina durante la época eduardiana

La moda femenina durante este período se relaciona con la silueta en “S”. Durante la época, algunos resaltaron que las mujeres que llevaban esta silueta vivían una “vida de lujo y ocio”. Esta herramienta estilizó el cuerpo de la mujer, con un tono más “erótico” y que proporcinaba caderas más anchas. Generalmente la silueta se veía en vestidos, además de algunos detalles como las cintas o el encaje.

Los cuellos altos también acompañaron en la época, sobre todo con cintas y encajes. Las faldas, en primera instancia eran anchas y con un tiro alto. Las mujeres también utilizaban mangas largas para aparentar una figura más refinada y dar una sensación de longitud.

En los vestidos largos, o las faldas de campana había tejidos realizados a punta de aguja. La marca que proporcionó la mayoría de los tejidos fue “Liberty”, que se caracterizó por sus diseños de flores. La época eduardiana en la moda también recibió influencia de otros países como Francia y Rusia, que brindaron colores más brillantes y distintos estampados.

Los accesorios también predominaron el reinado de Eduardo. Los sombreros grandes, con plumas y cintas, fueron los más populares. Las mujeres adaptaron sus peinados a los distintos sombreros, de gran tamaño. Las pulseras de plástico color metal también aparecieron después de la Primera Guerra Mundial. Las flores y los moños también tuvieron su lugar en los sombreros.

Dejando de lado un poco la rigidez, los corsés y las faldas largas disminuyeron a medida que crecieron las actividades de ocio para las mujeres. La ropa se fleixibilizó e introdujo nuevas prendas femeninas como faldas más liberadas, vestidos o incluso pantalones.

Durante la Primera Guerra Mundial, varias mujeres reemplazaron a sus maridos en los puestos de trabajo y utilizaron los trajes o monos de las fábricas. Está claro que Eduardo redujo la moda estricta de su madre Victoria. Introdujo nuevos conceptos y escuchó la expresión femenina de un salto más libre y sensual. 

¿Cómo fue la moda masculina durante el reinado de Eduardo VI?

La época eduardiana aceleró rotundamente la demanda de la moda. ¿Por qué? Las actividades al aire libre y los deportes como forma de ocio aumentaron los niveles de demanda en ropa más flexible y cómoda. Los uniformes militares, en período de guerra y posguerra también acrecentaron sus números. 

Los uniformes militares tantearon la producción de ropa en serie, que luego sería oficializada con el nivel de producción “pret-á-porter”, el mecanismo de ropa “lista para llevar”. Muchos artículos de la época señalan que el rey era amante de los viajes y de la aristocracia estricta, por lo que los códigos de vestimenta, en su gran mayoría, se mantuvieron.

La moda masculina, durante la etapa de Eduardo VI como rey del Reino Unido, se vio influenciada por el uso del “smoking” como alternativa para vestir. Con el paso del tiempo y la flexibilidad impuesta por el rey, el smoking fue aceptado en cenas informales o durante reuniones en casas. 

Es por ello que para los eventos más formales, como citas en los teatros o acontecimientos de gala, los hombres usaban el “frac”, el atuendo más formal y que superaba con creces al smoking. El frac consistía en una chaqueta con colas, con un chaleco adicional y una camisa blanca. La utilización del frac significaba un evento específico nocturno. Los peinados con aceite también frecuentaban la época. 

Tanto la ropa masculina como la femenina se vieron envueltos en una etapa distinta de la moda entre 1900 y 1920. Un período de reinado de Eduardo VI de diez años, una guerra mundial que duró cuatro años y alteró el contexto y realidad social de la población. 

Una etapa de mayor flexibilización, con diferencias de clases y un rey que era apasionado por los viajes y el lujo aristocrático. Eduardo VI fomentó la liberación y la comodidad de la ropa, sin dejar de lado las bases como el frac para los hombres o la silueta en las mujeres. Luego llegó el pret-á-porter, que cambió la dinámica en la industria.  

Nuevos contextos sociales que presionaron a las mujeres a utilizar los trajes o monos de trabajo de sus maridos, quiénes habían partido rumbo a la guerra. O durante la Segunda Guerra Mundial, con la implementación del pret-á-porter (listo para llevar) o la reutilización de prendas viejas ante el límite de cupones en las prendas nuevas en Gran Bretaña.

El vestuario de la mujer durante la Primera Guerra Mundial

Durante el conflicto bélico desatado entre 1914 y 1918, varios hombres tuvieron que ir a combatir y dejaron vacantes sus puestos de trabajo. Las mujeres fueron las que asumieron los roles de sus maridos, lo que provocó un nuevo cambio de atuendo. La figura femenina se vio envuelta en un nuevo cambio social, con monos de trabajo y trajes que tuvieron que utilizar en reemplazo de sus hombres en el trabajo.

Para la época no era común ver a mujeres trabajar en fábricas, en autobuses u otros puestos similares. Varios artículos destacaron que cuando los hombres fueron permitidos a regresar, muchos de ellos no reconocieron a sus mujeres debido al atuendo masculino. 

La moda eduardiana, iniciada en 1900 y culminada a la par del cierre de la primera guerra, terminó de cerrarse con el nuevo contexto social. Este tipo de indumentaria se caracterizó por la silueta en “S”, faldas ajustadas, sombreros grandes, corsés rectos, bordados y vestidos largos. Todo eso quedó en un segundo plano ante las necesidades de elaborar indumentaria acorde al conflicto bélico.

La alta costura, que se asentó en Francia en el siglo XX, también se vio afectada ante las dificultades en la cadena de suministro, el encarecimiento en la exportación de la lana y una dura realidad social que restringió la presencia del lujo y la exclusividad. Con la época eduardiana totalmente consumida, las faldas se estilizaron y se ajustaron a las pretensiones prácticas de la mujer. 

La etapa de la primera guerra también experimentó un aumento notable de mujeres en las Fuerzas laborales. Las faldas anchas y los pantalones reemplazaron lo anterior. Los corsés también disminuyeron en masa  e irrumpieron los tirantes y los vestidos negros. Varios desfiles organizados durante la época sirvieron para recaudar fondos.

Ante la escasez postguerra, los uniformes y equipos militares fueron utilizados por la mayoría de la población. También, el término pret-á-porter modificó la escena en la moda. Debido a las complicaciones sociales, el período post guerra evaluó una moda “lista para llevar”, sin tanta confección y con talles estándares y modelos similares. 

¿Y la Segunda Guerra Mundial cómo influyó en la moda?

La Oficina de Comercio, en 1942 y en plena disputa de la Segunda Guerra Mundial, habilitó la reutilización de prendas. Debido a que las tiendas dispusieron de cupones limitados, la sociedad optó por reciclar viejas prendas escondidas en los armarios y darle un nuevo valor y uso. Varios trajes fueron reciclados por mujeres como también los monos de trabajo, que en la actualidad tienen un gran uso.

Los monos adoptaron un enfoque más elegante y las tiendas fueron las que ofrecieron estos vestuarios más refinados. Gran Bretaña encabezó este tipo de cambios, sobre todo con diseñadores que popularizaron sus prendas en el extranjero. La Segunda Guerra Mundial estuvo más asociada a un reciclado de productos y recursos que experimentaron los jóvenes y adultos.

Los trajes sirena, las camisas, los abrigos y las chaquetas fueron los más populares. Los uniformes militares aumentaron su presencia y se tornaron más flexibles y cómodos, con más bolsillos. Incluso, la particularidad es que durante este segundo conflicto, se confeccionaron diseños especializados para los países. Gran Bretaña se apuntó con el azul, Estados Unidos con el beige y en Alemania los trajes eran grises.

Las mujeres también reemplazaron los sombreros grandes por tirantes y pañuelos más accesibles. Las chaquetas, los bolsos y los accesorios se pusieron de moda. Pulseras de plástico y bolsos iluminados durante los apagones protagonizaron la escena. Varios botones y flores fluorescentes fueron empleados por mujeres para relucir durante la oscuridad. Algunos gobiernos aconsejaron la vestimenta blanca para evitar accidentes nocturnos.

Los contextos sociales y las nuevas realidades obligaron a la industria de la moda a cambiar sus enfoques. La Primera Guerra Mundial condicionó el trabajo de los hombres e impulsó a las mujeres a cubrir sus puestos con la indumentaria masculina. 

Y la Segunda Guerra Mundial estableció el pret-á-porter, con ropa más accesible, uniformes militares, faldas y siluetas más relajadas y colores primarios y patrióticos que diferenciaron a los países. 

El punk-glam se imprime en sacos, camperas, vestidos y pantalones. Esta temporada otoño-invierno, el cuero, las tachas y las cadenas ganan protagonismo y la modelo Lucía Pedraza es la encargada de mostrar las tendencias más transgresoras de los años 70

Mini vestido bordado con paillettes de manga larga y escote en V. Campera de cuero con tachas. Bucaneras de cuero. Aros con cadenas de metal.

Anillo doble de metal  Balmain y Balenciaga fueron las primeras etiquetas en llevar el estilo punk-glam a las pasarelas más importantes del mundo

A lo largo de la historia, la industria de la moda se apropió de los movimientos más transgresores de la cultura de masas y los resignificó. Así es como este invierno vuelven a subirse a las pasarelas elementos característicos del universo punk, como las chaquetas de cuero, los cierres, las tachas y las cadenas, que se convierten en infaltables en los outfits más cancheros. El glam también es protagonista y deja una vez más su impronta en bordados de lentejuelas, calzas de lycra y bucaneras con taco aguja. Los años más rebeldes de la década del 70 vuelven transformados en moda para darles a las mujeres un toque de sensual oscuridad.

Lo llevó Lady Di el día que bailó con John Travolta en la Casa Blanca.

Fue el baile más memorable de la historia de la televisión. Así, por lo menos, lo aseguran los británicos en una encuesta realizada por la agencia internacional Ansa. 

La noche del 9 de noviembre de 1985, Lady Di y John Travolta hipnotizaron las cámaras de la prensa internacional al adueñarse de la pista durante una cena de estado en la Casa Blanca. Impecable y con un espectacular vestido de seda y terciopelo azul de Victor Edelstein, la princesa fue ovacionada junto al protagonista de Fiebre de sábado por la noche.

Veintisiete años después de aquel día, la casa de subastas Kerry Taylor Auctions ofrece al mejor postor los diez vestidos más impactantes del guardarropa de Diana de Gales, entre ellos, el que lució aquella vez, hoy valuado en más de 400 mil dólares. El lote incluye también un vestido del diseñador inglés Bruce Oldfield, cotizado en casi 80 mil dólares, que Diana lució en el estreno del musical Los miserables. “Ella era una persona maravillosa, muy humanitaria y una gran madre, además de ser para muchas mujeres un verdadero ícono de estilo” relató Kerry Taylor, que fijó fecha el próximo 19 de marzo para realizar la gran subasta.

Poco antes de morir, Diana vendió ochenta de sus trajes y vestidos y donó lo recaudado para algunas de sus obras benéficas favoritas. En aquel entonces, una admiradora de la alta sociedad, Maureen Dunken, compró trece de ellos. “Para alguien que quiera adquirir uno de los vestidos de Diana, esta es una buena oportunidad para intentarlo”, explicó Kerry Taylor.