Otros diseñadores desarrollan al respecto un conflicto personal más acusado. Miuccia Prada declaró a la edición francesa de Vogue (no sin una pizca de ironía): “Quiero dominar el mundo (…), quiero que el nombre Prada sea inmenso, pero también quiero ser libre para crear”. Más adelante, en el mismo artículo, Prada explicaba que “(las prendas) deben ser modernas (…) pero también comerciales, y esto es lo que me hace sufrir, porque hay tres preguntas fundamentales que debo hacerme a mí misma: ¿Me gustan estas prendas? ¿Se venderán bien? ¿Son originales? (…). Si intento que (una prenda) sea fácil de llevar, se convierte en algo banal (…). Y ése es mi problema: ¿cestoy creando las prendas que la gente desea o las prendas que yo creo que deberían llevar?” (“Drôle de Dame”, septiembre de 2004).

La gran diferencia entre Prada y Ford es que, en general, Miuccia permanece en un segundo plano y deja que sus prendas hablen por sí mismas; por el contrario, durante gran parte de su etapa en Gucci, la imagen pública de Ford estuvo estrechamente vinculada a sus diseños. Ford se fusionó de forma exitosa con la marca Gucci; como comentaba un artículo en Le Figaro, el “abanderado de Gucci (era) el propio Tom Ford (…)La barba de tres días, los trajes impecables, la camisa blanca abierta hasta el pecho, la mirada ardiente: Tom Ford despertaba el deseo tanto en hombres como en mujeres” (“Quand les créateurs incament les marques”, 4 de agosto de 2004). Ford se sumó a Gaultier en la lista de diseñadores cuya fama transciende el restringido mundo de la moda; en esta lista también figuran Alexander McQueen, Stella McCartney, Paul Smith, Marc Jacobs, Karl Lagerfeld y, por supuesto, John Galliano, el gran showman cuyos desfiles son célebres por su capacidad de entretenimiento. Las prendas de Galliano son tan extravagantes como su diseñador, quien se asemeja a un Salvador Dalí de capa y espada.

Galliano y Ford constituyen dos perfectos ejemplos de diseñadores cuya imagen personal ha ayudado a transformar marcas. Una marca muerta o en hibernación, cuyo fundador ha fallecido o ha dejado de estar relacionado con la misma, necesita a menudo un testaferro fácilmente identificable que la encarne a ojos de los consumidores. Por descontado, los diseños deben ser irresistiblemente atractivos, pero eso es sólo parte del trabajo. Del mismo modo en que Ford se vinculó con Gucci, Galliano insufló emociones nuevas a Dior cuando se instaló en la compañía en 1996 como diseñador de la línea femenina. Más de diez años atrás, Lagerfeld había conseguido llevar a cabo una transformación similar en Chanel. Hasta que ciertas cadenas de tiendas comenzaron a adoptar la misma estrategia, una glamurosa estrella del diseño (que aterrizaba en las casas de moda cobijada bajo el paracaídas de una importante remuneración, como un jugador de fútbol de éxito) era el factor decisivo que marcaba las distancias entre las marcas de lujo y las de gran distribución.

En la actualidad, el proceso se ha vuelto tan familiar que comienza a sonar como una fórmula; con cada nueva designación, nos cuentan que el recién incorporado diseñador ha estado investigando en los archivos de la marca, desvelando un sistema de códigos y de valores que pueden utilizarse para dar forma a su propia visión de la misma, de tal modo que no reproduzca los diseños originales, sino que los reinterprete y “remezcle”, con el propósito de crear algo completamente nuevo, al tiempo que le hace un respetuoso guiño al propietario del nombre que está a punto de heredar.

El diseñador británico Ozwald Boateng llegó a París en cl año 2003 para discñar las colccciones masculinas dc Givenchy: “Examinando los archivos, me inspiró la elegancia de Hubert dc Givenchy (…) Fue así como descubrí el emblema del tulipán, una flor que podía verse a menudo en un jarrón sobre la mesa dc Givenchy. Los topos que pueden verse en los forros de los trajes y de los sombreros, o en los pañuelos de bolsillo, recuerdan el motivo que aparece en sus corbatas favoritas”. Tras ser nombrado director artístico de Kenzo Woman en septiembre de 2003, Antonio Marras “se sumergió en los archivos de la Casa, descubriendo puntos de semejanza con sus propias creaciones, principalmente el mestizaje de culturas y estilos”.

Cuando Nicolas Ghesquière se convirtió en 1997 en jefe de diseño de Balenciaga, la “guardiana” de los archivos de la casa, madame Jouve, le denegó el acceso a éstos. Según explica el propio Ghesquière, “quizá pensaran que iba a hacer un uso inadecuado de ellos, así que tuve que investigar (las colecciones de Balenciaga) por otros medios, en los museos de Estados Unidos y a través de las fotografías de Irving Penn; esto significaba que, al no estar sobrecargado de referencias, no acabaría por hacer reproducciones”.

La relación de María Asunción Fernández “Asunta”, primera probadora y jefa general del taller de Henriette con Eva D. de Perón había comenzado entre febrero y marzo de 1946, cuando la señora de Perón hizo tres visitas a la casa, que se interrumpieron después de la asunción del mando porque Asunta, acompañada en alguna oportunidad por Manuela Bancalero de Castro (una empleada que llegó a cumplir 50 años de antigüedad en la casa) iba sola a la residencia presidencial directamente. La influencia de Asunta Fernández ha sido decisiva en la transformación del estilo de Eva Perón, desde su talle 46 y sus peinados con jopos hasta su delgada figura que realzaba con los rodetes tirantes. Gladys Georgette, directora de modas de la casa, nos cuenta: “Eva Perón era en su momento bastante gordita (un 46 de confección que es casi un talle 48), muy joven y con linda piel; alta, con más de 1,70de estatura. Asunta fue muy importante en la transformación del estilo, que comenzó en su viaje a Europa en 1947 y se continuaba todas las mañanas en la residencia presidencial. Evita prácticamente no dormía, se acostaba a las 4 de la mañana y a las 7 ya Asunta le preguntaba: ‘hoy qué tiene, señora?’, y entonces le armaba los conjuntos y le indicaba qué tenía que ponerse para cada ocasión.

Del año 1946 al año 1952 la transformación y el cambio en la forma de vestir de Eva Perón fue total. Asunta iba dos veces por año a Europa, y por su cuenta y riesgo encargaba todo lo que le parecía. Para su primer viaje acompañando a la señora del Presidente obtuvo en un día el pasaporte y la nacionalidad argentina, porque ella era gallega y fue invitada por la señora de Perón el día antes de la partida mientras le hacía una prueba. “Desde la vuelta del viaje a Europa y hasta su muerte todos los vestidos venían directamente de Dior y de Fath, quienes tenían en Francia un maniquí con sus medidas. Los vestidos venían con Asunta en un compartimento especial en los aviones de Aerolíneas Argentinas.”

A pesar de la transformación de su estilo y de su despojamiento a través de los años, no podemos negar que su gran intuición la llevó a vestirse de una manera muy especial para sus largas jornadas en el Ministerio de Trabajo. Ella plasmaba en la realidad lo que nos enseña Aldous HHuxley en Heaven and Hell con respecto a las ropas y sus accesorios usados como instrumento político: “Los hermosos e imaginativos trajes usados por reyes, papas y sus séquitos militares y eclesiásticos tenían el propósito práctico de impresionar a las clases bajas con un alegre sentido de su grandeza sobrehumana. Todas esas visiones induciendo propósitos desiguales para hacer que todo caballero o dama parezcan como héroes”. Juana Palmou nos dice: “Era joven, bonita y con una piel espléndida, vestida con los trajes sastre de Luis que eran una maravilla, usaba costosas alhajas, pero la gente que iba al Ministerio a verla no lo veía mal en ella, los obreros sobre todo la veían representativa”. Sabiendo que la muestra de riquezas en vestidos y alhajas no sólo sirve como indicador de la situación social, no nos debe extrañar que Eva Perón no haya tenido una notoria influencia en los estilos de las mujeres argentinas ya que, como vimos, al no ser elegidos por ella no expresaban su propia personalidad, sólo eran utilizados como signo distintivo de su posición política. En las casas de modas solía repetir: “Que el descamisado sea Perón, yo quiero estar linda para mis grasitas”.

El hecho de haber utilizado sus vestidos como herramienta de expresión política y no de conocimiento personal tal vez nos ayude a aclarar una de las grandes contradicciones de Eva D. de Perón: el haber desperdiciado la gran oportunidad de imponer una moda argentina promocionando el diseño y la industria nacional. Cuando en el año 1947 se cerró la importación, se daban algunas interesantes condiciones que lo hubieran hecho posible: una industria textil incipiente que se nutría de contingentes de inmigrantes europeos con experiencia en el ramo (sobre todo israelitas y armenios) y un sostenido movimiento de argentinización o búsqueda de lo auténticamente nacional, impulsado por las migraciones de las provincias hacia la capital. Sin embargo, en el mundo de la moda, a pesar de la política de fronteras cerradas, los vestidos seguían llegando de París, algunos visiblemente armados en maniquíes en la parte trasera de los aviones de Aerolíneas Argentinas; los más, entrando en las bodegas de los barcos.

Bernarda Meneses nos dice: “En el año 1952 llegué con mi hermano de Europa trayendo 25 baúles con ropa. En el puerto de Buenos Aires nos recibieron unos carteles que decían: ‘El contrabando será penado con prisión’”. Mientras tanto, el movimiento de búsqueda de las raíces argentinas se agotaba y conformaba en la idea de Eugenia de Chicoff, de ponerles nombres típicos de nuestra tierra a sus vestidos en reemplazo de los franceses. Desde entonces, titulando algún diseño en las revistas de la época, podemos leer, entre otros: “Sarandí” y “Quilmes”, en lugar de los tradicionales “Cyon”, “Colbert” o “Victoire”.

PERUGIA, ANDRÉ (1895-1977) Nació en Italia y se crio en Niza. Se formó con su padre, que era zapatero, hasta la edad de 16 años. A principios de su carrera obtuvo cierto reconocimiento diseñando zapatos para Poiret. En el año 1920se independizó en París y suministró calzado de diseño artístico a Chanel y Schiaparelli, entre otros. Después de la Segunda Guerra Mundial siguió produciendo calzado para los principales modistos.

PIGUET, ROBERT (1901-1953) Nacido en Suiza, después de formarse en París desde 1918, en 1933 decidió independizarse. Trabajó principalmente en la década de 1930, creando vestidos largos de estilo romántico y línea esbelta, así como trajes. Era amigo íntimo de varios escritores y artistas y confeccionó muchos trajes para obras teatrales.

PINGAT, EMILE (fechas desconocidas) Se desconocen los detalles. Abrió su establecimiento en la década de 186o. Su principal período de actividad se extendió entre 186o y 1896, en coincidencia con cl periodo álgido de Worth, otro prominente diseñador. Sus elegantes creaciones, expresión de su delicada sensibilidad, eran populares en Estados Unidos.

POIRET, PAUL (1879-1944)

Nacido en París, trabajó para Doucet y Worth antes de abrir su propia casa en 1903. En 1906 presentó un vestido de forma recta y cintura alta que liberaba a las mujeres del restrictivo corsé. Influido por el japonismo y los Ballets Rusos, creó una sucesión de modas orientales: el abrigo kimono, el vestido de medio paso, el estilo pantalla de lámpara y otros. Debido a sus extravagantes y espectaculares obras, de colores atrevidos, se ganó el sobrenombre de “El sultán de la moda”. A principios del siglo xx adaptó gustosamente las tendencias de la época y orientó la moda hacia una nueva dirección. También es conocido por ser cl fundador de la École Martine, un taller textil para muchachas, y por haber patrocinado a numerosos artistas jóvenes, como Raoul Dufy. Su influencia declinó después de la Primera Guerra Mundial.

PORTER, THEA (nacida en 1927) Nacida en Siria, se fue trasladando de lugar en lugar por Oriente Medio antes de asentarse definitivamente en Londres, en 19)66. El conocido estilo de Porter contiene clementos de diversos estilos, como el oriental, cl gótico y el victoriano. En especial, su obra realizada con bordados adornos étnicos, así como su línea porosa, sintonizaron con el movimiento de finales de los años sesenta y se dieron enormemente populares en estados Unidos.

PRADA (1913)

Prada, una casa de moda italiana que originalmente trabajaba con artículos de piel, emprendió un nuevo camino cuando Miuccia Prada (nacida en 1949) asumió la dirección en 1978 y presentó una serie de bolsos de nailon de gran funcionalidad. En 1988 lanzó su primera línea de pret-à-porter. Sus vestidos son recombinaciones modernas que conservan la esencia de la ropa tradicional, y su obra ha gozado dc un éxito generalizado gracias a su estilo típicamente minimalista, que ha transformado la anterior imagen de la moda de Milán.

PUCCI, EMILIO (1914-1992)

Nacido en Italia, en los años cincuenta su ropa deportiva fue muy apreciada. En los sesenta, sus prendas estampadas con colores psicodélicos y atrevidos motivos se convirtieron en tendencia universal de la moda. A finales del siglo xx sus exclusivas e inconfundibles creaciones fueron retomadas para una nueva era posmoderna.

RABANNE, PACO (n.1934)

Nacido en España, tuvo un impactante debut en las colecciones parisinas Primavera/Verano 1966, con vestidos realizados con discos de plástico unidos por finos anillos metálicos. Su revolucionaria técnica de “costura” sin tejido, hilo ni aguja recibió el nombre de “la confección con tornillos y alicates”. Los años sesenta fueron un período en el que muchos artistas abandonaron las técnicas y materiales tradicionales para emprender nuevos experimentos. Rabanne creó una sucesión de prendas totalmente novedosas que causaron sensación.

REBOUX, CAROLINE (1837-1927)

Diseñadora de sombreros nacida en París, abrió su tienda en esa ciudad hacia 1870.En la década de 1920, con sus sencillas creaciones, generalmente realizadas con fieltro, se convirtió en una de las principales figuras de la sombrerería parisina. Suministró sombreros a Vionnet y a otros diseñadores.

REDPERN (? -década de 1920)

Tienda de costura famosa por sus trajes sastre. El inglés John Redfern (1853-1929) trabajó como comerciante de paños en la isla de Wight desde la década de 185o.En 1881 estableció su negocio en Londres y París; más tarde, abrió sucursales en Nueva York y otras ciudades. En 1888 fue nombrado modisto de la reina Victoria, y la fama de su tienda, que producía trajes sastre y ropa deportiva, se vio consolidada. En 1916 diseñó el primer uniforme femenino para la Cruz Roja.

TAKAHASHI, JUN (n.1969) Nacido en Japón, Takahashi lanzó la firma japonesa Undercover junto con unos amigos cuando todavía era estudiante de la escuela de moda. Empezaron a diseñar camisetas y después debutaron en Tokio con la colección Otoño/Invierno 1994-Undercover presentaba una moda de calle desgarrada y decorativa, que expresaba directamente los intereses de Takahashi, conocedor y experto de la cultura musical (había sido miembro de una banda de punk-rock independiente). Sus obras vanguardistas, expresión de su originalidad subcultura, han recibido un fuerte apoyo por parte de las generaciones jóvenes japonesas, y Takahashi se ha convertido en una figura de culto del “Ura-Harajuku”(las calles secundarias de Harajuku, Tokio, el centro de la subcultura japonesa de la moda). Takahashi se ha ido labrando una reputación como uno de los principales diseñadores de la nueva generación de la capital japonesa.

TSUMURA, KOSUKE (n.1959) Nacido en Japón, en 1983 Tsumura entró en el Issey Miyake Design Studio. En la colección parisina de la temporada Otoño/Invierno 1994 presentó un abrigo de nailon con docenas de bolsillos que tituló “Hogar final”. Esta obra, que se vendió con una conciencia ecologista (se puede reciclar en la misma tienda en lugar de tirarlo), permitió a su creador sobrevivir en París. Tsumura no sigue la rápida metamorfosis del actual ciclo de la moda, sino que intenta establecer una base realista contemporánea para la creación de ropa. También trabaja en otros ámbitos; por ejemplo, participó en la Bienal de Arquitectura de Venecia del 2000.

VIONNET. MADELCINE (1876-1975) Nacida en Francia. trabajó en las firmas Callor Socurs y Doucct y en 1912 abrió su propia casa en París. El establecimiento volvió a abrir después de la Primera Guerra Mundial, y hacia los años veinte era considerado uno de los de mayor éxito. A principios de los años veinte presentó vestidos de estructura simple, influida por cl kimono japonés. Más adelante inventó el corte al bies, una nueva técnica para la confección de ropa. Creó todos sus diseños originales mediante su exclusivo método de vestir a un maniquí en miniatura (la mitad del tamaño natural). Se retiró del campo del diseño en 1939.Las obras que Vionnet creó reconsiderando de forma drástica la relación entre cuerpo y ropa ejercieron una gran influencia en la moda del siglo xx.

VIVIER, ROGER (1913-1998) Nacido en París, después de estudiar arquitectura se convirtió en diseñador de calzado. Fue famoso por su estilo único: sus creaciones tengan formas originales y utilizaban materiales inusuales, bordados de vivos colores y joyas y pieles como decoración.

WATANABE, JUNYA (n.1961) nacido en Japón, entró en Comme des Garcs en 1984, después de haber estado al mrsndo de Comme des Garçons Tricot denle 1982. Debutó con la firma Comme dee Garçons Junya Watakabe en las colecciones de Tokio de la temporada Otoño/Invierno 1992, y después en París en la Primavera/Verano 1994. Desde entonces ha seguido perfeccionando sus propias técnicas de corte y reconsiderando los materiales. 

WESTWOOD. VIVIENNE (n.1941) Nacida en Inglaterra, en 1971 abrió una tienda en Londres con Malcolm McLaren (n.1946) llamada Let It Rock. Su estilo punk, que expresaba la cultura de los jóvenes urbanos que renegaban de la sociedad, abrió paso a la moda callejera contemporánea. En 1982 participó por primera vez en las colecciones de París inspirada por la indumentaria del pasado, la pintura y la literatura, diseñó sus prendas desde su propia y original perspectiva. La ropa sexy y vanguardista que produce está al margen de la moda contemporánea llevadera, cómoda y funcional. Ella sigue defendiendo su original concepto de elegancia, aun cuando a veces fuerza el cuerpo a permanecer constreñido.

WORTH, CHARLES-FREDERICK (1825-1895)

Nacido en Inglaterra, en 1845 se trasladó a París para trabajar como vendedor en la Maison Gagelin, un selecto comercio de tejidos. Más adelante se hizo cargo del departamento de confección de ropa femenina. Las obras que realizó en este período fueron muy alabadas en las Grandes Exposiciones de Londres y París. En 1857 abrió su propia casa de alta costura en la capital francesa. Hombre de negocios con talento, fue el primero en presentar sus creaciones mediante un desfile de moda, tal como se sigue haciendo. Estableció las bases del actual sistema de alta costura. La característica más notable de sus creaciones fue el abundante uso de tejidos de seda de Lyon, de elevado coste. Uno de los modistos favoritos de la emperatriz Eugenia, esposa de Napoleón III, también trabajó para casas reales de todo el mundo, damas de la nobleza, actrices y el dominando de las prostitutas de lujo. A finales del siglo XIX dominaba los círculos de la moda y adquirió popularidad entre los estadounidenses acaudalados. Tras su muerte, sus dos hijos, Gaston y Jean-Philippe, lo sucedieron en el negocio. Aunque la casa se mantuvo durante cuatro generaciones, acabó por cerrar sus puertas en 1954.

ZIMMERMANN (fechas desconocidas) Se desconocen los detalles. Firma parisina situada en el número to de la Rue des Pyramides. El nombre apareció en Vogue hacia el año I910.

McQUEEN, ALEXANDER (n. 1969) Nacido en Inglaterra, después de aprender las técnicas de sastrería en Savile Row debutó con su propia marca en 1993.A la edad de 27 años, McQueen absorbió la firma Givenchy: empezó con la colección Primavera/Verano 1997 y siguió hasta la de Otoño/Inverno 2001. Las creaciones de McQueen, únicas e innovadoras, llevaron al resurgimiento de Givenchy. Sus obras ostentan una línea estructural, como su perfecto traje sastre.

MISSES TURNER (fechas desconocidas) Se desconocen los detalles. La casa estuvo en activo en la década de 1870 en el I5I de Sloane Street, en Londres.

MIU MIU (1994) Marca de Prada para la generación más joven que empezó como línea de difusión cn 1994.

MIYAKE, ISSBY (n.1938) Nacido en Japón, Miyake presentó sus primeras colecciones en Nueva York (1971) y en París (1972). Desde su línea titulada “A Piece of Cloth”, presentada en 1976 y en la que mostró por primera vez su personal visión de la relación entre el tejido, bidimensional, y el cuerpo humano, tridimensional, éste ha sido el concepto principal subyacente en todos sus diseños. Desde 1988 ha venido produciendo vestidos con pliegues. Sus “Pleats Please” (Pliegues, por favor) se pueden considerar un producto industrial de gran calidad que combina material, forma y función de una manera orgánica original. Las prendas de Pleats Please combinan el sentido práctico con la calidad artística, y son adecuadas para el estilo de vida de las mujeres contemporáneas. En la colección Primavera/Verano 1999 presentó la línea “A-POC”, que fusiona la tecnología informática de vanguardia con el género de punto, una técnica tradicional de elaborar tejido. Miyake considera que las camisetas y los pantalones vaqueros pueden ser un atuendo ideal, y está comprometido con un tipo de ropa que resulte funcional para la vida cotidiana y que sc pueda producir en grandes cantidades. Debido a ello, su obra se adapta admirablemente a la vida contemporánea.

MOLYNEUX, EDWARD (1891-1974) Nació en Inglaterra y en 1919 abrió su establecimiento en París. A finales de los años treinta estaba establecido en Londres, pero regresó a París después de 1945. Su clientela de clase alta, entre la que se contaban muchas actrices, se sentía atraída por sus formas simples y elegantes y su estilo sofisticado. Aunque se retiró en 1950, volvió a abrir su tienda de París en 1965 y trabajó con ropa de confección en Estados Unidos.

MONTANA, CLAUDE (n.1949) Nacido en Francia, tras una carrera que incluyó trabajar como diseñador para una compañía de artículos de piel, presentó su primera colección en 1977. Creó ropa dinámica y resistente para mujeres trabajadoras, que en los años ochenta se estaban abriendo camino en el mundo de los negocios. Su impactante silueta de hombros cuadrados, junto a la obra de otros diseñadores como Thierry Mugler, lideró la moda contemporánea.

MUGLER, THIERRY (n.1948) Nacido en Francia, Mugler debutó en las pasarelas parisinas en la temporada Primavera/Verano 1975. Sus obras expresan un estilo sexy y una conciencia corporal que realzan el cuerpo femenino. La clara y expresiva silueta de Mugler, con sus característicos hombros anchos y cintura entallada, gozó de una enorme popularidad en los años ochenta, una época que exigía una imagen impactante para la mujer. Sus creaciones también son famosas por sus vivos colores, su corte atrevido y el frecuente uso de inusuales materiales duros, como el metal o la piel de reptiles.

PAQUIN, JEANNE (1869-1936) Nacida en Francia, después de formarse en Rouff abrió una rienda en París en 1891.Sus vestidos lujosos, románticos y bien confeccionados, con drapeados, cran muy apreciados por las mujeres ricas y las actrices en los círculos de la moda de principios del siglo xx. Su establecimiento era típico de la época. Ella fue la directora del departamento de indumentaria de la Gran Exposición de París de 1900.Avanzándose a otros diseñadores, abrió sucursales en muchas ciudades de todo el mundo, empezando por Londres. Su casa también era famosa por su departamento de lencería y su sección de peletería a gran escala. La firma continuó tras su retiro en 1920 y cerró en 1954.

PATOU, JEAN (1880-1936) Nació en Francia y en 1912 abrió la Maison Parry, su tienda de ropa femenina en París. Después de participar en la Primera Guerra Mundial, en 1919inauguró su salón, que llevaba su nombre. A principios de los años veinte diseñó vestidos para la estrella del tenis Suzannc Lenglen, y fue pionero en el campo de la ropa deportiva elegante. Sus trajes y vestidos diseñados según el espíritu de la ropa deportiva fueron adoptados por las mujeres de vida activa de los años veinte, conocidas como garçonnes. Trabajó con el fabricante textil francés Bianchini-Férier, entre otros, en el desarrollo de nuevos materiales para trajes de baño y ropa deportiva.

PECHE, DAGOBERT (1887-1923) Nacido en Austria, Peche empezó a trabajar en el Wiener Werkstätte en 1915 y continuó hasta convertirse en uno de los diseñadores más importantes del último período de dicho taller. Sus creaciones abarcan varios campos: decoración de interiores, artes escénicas, artículos de plata, bordados, ropa, etc., y actualmente su exclusivo y dinámico estilo decorativo vuelve a ser muy apreciado.

Los diseñadores experimentaron con colores primarios y vivos, topos, rayas, estampados geométricos y motivos animales. Potenciaron la extravagancia de sus propuestas con una amplia gama de materiales: cuero, lana con cuadros escoceses, seda y muchos otros. Karl Lagerfeld, nombrado director artístico de Chanel, volvió a elaborar el famoso traje de la firma con diferentes tejidos, colores y accesorios. El francés Thierry Mugler dio un nuevo enfoque al traje: mezcló el estilo futurista con el retro hollywoodiense, y sus diseños eran deliberadamente fetichistas y sexis. La silueta se caracterizaba por hombros anchos y una cintura marcada. Con una estética similar a la de Mugler, Claude Montana se reveló como uno de los jóvenes diseñadores parisinos con mayor talento. Su musa era una heroína galáctica que inspiraba diseños de cuero y tejidos ligeros, ceñidos al cuerpo. Espalda ancha, cintura entallada y detalles robóticos fueron sus rasgos característicos. Mientras la mayoría de los diseñadores se centraban en el traje y buscaban una silueta extremada, Azzedine Alaïa le sacó partido al nuevo tejido introducido en el mercado por DuPont: la Lycra®. Los diseños de Alaïa iniciaron así una auténtica revolución, que volvía a realzar la figura femenina. Sus colecciones, que encarnaban el sex appeal de la década de 1980, se agotaban en cuestión de días.

En 1983 los vanguardistas Rei Kawakubo y Yohji Yamamoto dejaron boquiabiertos a los fashionistas internacionales con su revolución japonesa. Rompieron con la imagen dominante hasta entonces de una refinada femme fatale de acentuada cintura, espalda ancha y tacones de aguja y ofrecieron una alternativa de construida, negra y esculpida. La subversiva colección de Kawakubo introdujo una nueva silueta materializada en forma de vestidos chaqueta amplios y cuadrados, confeccionados con telas envejecidas, escotes desplazados y cuadros asimétricos. Las modelos se presentaban al natural, sin artíficos buscaban transmito justo lo contrario, con detalles como labios inferiores amoratados. La prensa especializada interpretó la colección como una declaración política y acuñó el look post Hiroshima. Yamamoto fue también el artífice de una aproximación radical a la figura femenina: sus ingeniosos patrones se plasmaban en prendas sobredimensionadas y drapeadas que creaban esculturas humanas en movimiento.

Issey Miyake, el tercer nombre de la tríada japonesa, también adoptó esta actitud vanguardista. Sus experimentos con los materiales lo llevaron a confeccionar diseños muy originales y atrevidos. Los inicios de la década de 1990 fueron sombríos, ya que aún se sentían los efectos de la conspicua sociedad de consumo y los altibajos de la economía de finales de la década anterior. La reacción contra los valores de los años ochenta fue drástica e impregnó inevitablemente el sector de la moda. La música de Seattle, con grupos como Nirvana y Pearl Jam, influyó en el estilo grunge, que combinaba los estilos hippy y punk. Marc Jacobs fue uno de los diseñadores estadounidenses que la interpretaron; Donna Karan, Ralph Lauren y Calvin Klein la pulieron. Pero la modelo perfecta para encarnar esta imagen la halló Calvin Klein: el aspecto de niña abandonada y la deslumbrante belleza, sin artificio alguno, de Kate Moss la convirtieron en el rostro que personificó la década y la marca.

En Gran Bretaña John Galliano y Alexander McQueen rescataron el espíritu rebelde de la moda británica. Con el apoyo personal de la directora del Vogue estadounidense, Anna Wintour, Galliano presentó una colección propia en París en 1993. En aquel momento estaba arruinado, no contaba con ninguna ayuda y quemaba su último cartucho. Con sobras de tela de forro negro creó una colección cuyos exquisitos patrones bebían de la tradición de la alta costura. Marcó un punto de inflexión en la historia de la moda. En la primera fila de público se sentaba Bernard Arnault, presidente del grupo LVMH, propietario de Dior y Grvenchy. Tras presenciar la magia de Galliano, Arnault lo nombró en 1995 director creativo de la Casa Givenchy. Dos años más tarde le entregó las «tijeras de oro»: las riendas de Dior. Galliano nunca más miró hacia atrás.

En 1995 McQueen lanzó la colección «Highland Rape», que hacía referencia al saqueo de las Highlands escocesas por parte de la aristocracia británica. Los diseños pusieron de manifiesto su talento técnico y la creatividad artesana, así como su capacidad para asombrar. Más adelante fue nombrado director creativo de Givenchy, donde llenó el vacío dejado por Galliano. McQueen era un genio rebelde cuya obra provocaba a la vez que impresionaba. Se quitó la vida de forma trágica en 2010. Los éxitos de Galliano y McQueen iniciaron una nueva tendencia en las grandes firmas tradicionales, que empezaron a rejuvenecerse incorporando savia nueva. Chloé optó por Stella McCartney, y Chanel puso sus diseños de punto en manos de Julien Mac Donald, antes de que éste terminara sus estudios en el Royal College of Art; con el tiempo accedería a la dirección de Givenchy. La presencia de los diseñadores estadounidenses también era notable: Tom Ford devolvió el sex appeal a las propuestas de Gucci y, durante un breve periodo, a las de Yves Saint Laurent; Michael Kors se incorporó a Celine, Marc Jacobs a Louis Vuitton, y Martin Magiela a Hermès. La moda era ya un gran negocio, y dos de las claves del éxito eran la identidad corporativa y la cuota de mercado.

Mientras Londres y París pugnaban por la supremacía, un nuevo tipo de diseño, que había empezado a despuntar a finales de los ochenta, destacaba en las pasarelas. Era la revolución belga. Conocidos como «los seis de Amberes》, Dries van Noten, Dirk Bikkembergs, Dirk van Saene, Ann Demeulemeester, Walter van Beirendonck y Marina Yee componían la nueva hornada de creadores, caracterizados por una actitud audaz. A pesar de haberse formado en la Koninklijke Academie voor Schone Kunsten de Amberes (Real Academia de Bellas Artes), tenían estilos individuales y variados. En la década de 1990 la moda alumbró una nueva revolución estética y sembró en los nuevos diseñadores el deseo de ir más lejos para impactar, provocar y renovar formas y siluetas. A diferencia de lo que había sucedido en décadas anteriores, no se consolidaron verdaderas tendencias: convivían faldas cortas, largas y asimétricas, así como colores vivos, tenues y degradados. En este sentido las estrategias y las tácticas de marketing contribuyeron a posicionar a los diseñadores. Y ahora cualquier firma que se precie incluye en su catálogo perfumes, maquillaje, accesorios y líneas asequibles para el gran público. El prêt-à-porter se ha convertido en la nueva ala costura, y ésta a su vez en un instrumento del mismo negocio y una referencia para dar publicidad a los productos y las marcas más asequibles de una firma.

Hoy día los diseñadores de primera línea son auténticas celebridades que cuentan con legiones de leales seguidores. Para mantenerse en el candelero de los medios de comunicación se valen de herramientas diversas: desfiles de moda concebidos para impactar, glamorosos reportajes en revistas y otros tipos de interesantes a la par que oscuras intervenciones. Mediante una autopromoción continua, algunos diseñadores se han convertido en marcas, lo que les brinda una potente plataforma para situar sus creaciones en la vanguardia de la cultura moderna. La figura del diseñador de moda actual surge de unos inicios humildes, que coinciden con el nacimiento de la alta costura. Charles Frederick Worth, el padre de la alta costura, nació en 1825 en Lincolnshire, Reino Unido. Trabajó en almacenes textiles en Londres y París, donde se familiarizó con las técnicas de venta y con los tejidos, que aprendió a seleccionar y manipular de forma personalizada, en función del cliente. Worth montó su propio negocio de costura en 1858, en París. Su famoso Salón se convirtió en un paraíso de creatividad y exclusividad. Los clientes, fuera cual fuera su posición social, tenían que pedir cita previa. Una vez allí, se les mostraban los últimos modelos disponibles. El cliente elegía y el modelo se reproducía con sus medidas exactas. Esta forma de atención personalizada y trabajo a medida, a partir del trato directo entre creador y cliente, difundió el concepto de exclusividad; primero en Europa y luego en el próspero mercado estadounidense. En su momento de máximo apogeo, el Salón contaba con un equipo de mil doscientas personas, compuesto por patronistas, costureros, bordadores (a mano y a máquina), modelos y vendedores. Esta original manera de presentar la moda promovió una estética y una visión determinadas que lo hicieron pasar de sastre a creador de moda. Siguiendo su estela se abrieron varias casas de costura y nació una nueva industria. En 1868 Worth fundó la Chambre Syndicale de la Couture Parisienne para regular los estándares, la calidad y la forma de trabajar de las casas de costura. Hoy la Cámara pervive todavía.

Revolucionarios de la moda del siglo xx

Entre 1900 y 1914 París fue el epicentro de las industrias del lujo, entre ellas la de tejidos, la de joyas y la de moda. Al principio de dicho período, los cambios en la imagen de las mujeres fueron escasos. La silueta eduardianas la S de cintura diminuta) era inalcanzable sin un corsé que la comprimiera, lo que hundía la pelvis y proyectaba el pecho hacia arriba y hacia delante. Las prendas lucían un estilo suntuoso y elaborado: se utilizaban encajes, brocados y bordados recargados, sedas, lazos y ribetes de rosas.

El inconformista Paul Poiret (1879-1944) se saltó las reglas comúnmente aceptadas y sacudió los estándares de la moda. Los artistas de vanguardia, como Picasso, fueron su fuente de inspiración. El artista gozó de un sensacional ascenso a la fama. Gracias a su gran habilidad para hacerse publicidad a sí mismo, se autoerigió en el hombre que liberó a las mujeres del corsé. En 1908 protagonizó la mayor ruptura con las convenciones en vigor: lanzó la línea Directora, compuesta por faldas rectas desde la cintura hasta los tobillos, con la cinturilla elevada hasta justo por debajo del busto. Aquella posición de la cintura eliminaba la necesidad de usar corsé, que se remplazó por un cinturón ancho. A pesar del mayúsculo impacto que tuvo en la forma de vestir a nivel local, la nueva línea tardó solamente dos años en ser universalmente aceptada. 

Además de ser pintor, escultor, fotógrafo, diseñador de tejidos y de muebles, escenógrafo y diseñador de iluminación, Mariano Fortuny (1871-1949) también fue diseñador de moda. Inventó técnicas especiales para plisar y teñir telas y en 1909 patentó sus diseños los que él llamaba invenciones. Junto con Poiret, Fortuny lideró los avances de la moda a principios del siglo xx, que llevaron las prendas de mujer a un nuevo e inexplorado territorio de libertad y sensualidad.

Pero el estallido de la Primera Guerra Mundial, en 1914, cambió significativamente el rol de la mujer. Al faltar los hombres llamados a filas en masa, ellas tuvieron que cubrir sus puestos de trabajo. Para ir a las fábricas necesitaban ropa adecuada: los ideales deliberadamente femeninos de la opulenta sociedad del pasado fueron así sustituidos por pantalones y monos oscuros, de un solo color.

En 1915 los diseñadores introdujeron piezas de ropa de diario muy funcionales, inspiradas en los uniformes militares. Los trajes y las americanas, que perfilaban siluetas de cintura entallada, se hicieron un hueco importante en el guardarropa femenino. Los bolsillos, hasta entonces inexistentes, adquirieron una notable presencia y potenciaron así la cualidad funcional del uniforme militar en el que se inspiraban. También se pusieron de moda los zapatos cerrados, las botas y los tiros largos, hasta cuatro o cinco centímetros por encima del tobillo. La diseñadora francesa Gabrielle ‘Coco’ Chanel (1883-1971) adoptó con gracia el nuevo atuendo y le dio su sello personal, caracterizado por el sentido práctico y las líneas simples, Las elaboradísimas creaciones de diseñadores como Worth o Poiret quedaron prácticamente ndiculizadas por el look Chanel, que cambiarla la idea de la moda femenina para siempre.

Coco, inventora del estilo chic pobre, era a un tiempo musa, diseñadora y la encarnación de una actitud vital. Inspirándose en la moda masculina, revolucionó el uso de la camiseta de punto, que hasta entonces era una pieza de ropa interior masculina. En su primera colección, 《La Pauvreté de Luxe», lanzada en 1916, la cintura dejó de ser el centro de atención, tras siglos de protagonismo. En el mundo de Chanel no había lugar para los acolchados y los corsés; los trajes eran básicos, sencillos y casuales. Su implacable sentido de la línea y de las proporciones, así como su obsesión por la perfección, fueron los rasgos distintivos de toda su carrera. Entrar en su mundo significaba animar a las mujeres a tomar sus propias decisiones y a optar por lo que más les conviniera, en lugar de seguir a pies juntillas los dictámenes de la moda. Lo principal era la comodidad y sentir la ropa como una segunda piel.

La alta costura es un nicho dentro de la moda y está apuntado a una clientela exclusiva. Se diferencia del pret-á-porter, que alude al término ropa “lista para llevar” y se mantiene como un rubro hiper exclusivo. Así como se asentó en Francia y luego se extendió en el mundo, Argentina también tuvo su cuota de haute couture mediante algunos diseñadores que lo fomentaron.

Incluso, con el paso de los años nació el concepto pret-á-couture, una mezcla entre lo dinámico y rápido del “ready to wear” con la alta costura. Una fusión entre los dos mundos que surgió hace unos años y que irrumpió como una alternativa. Argentina adoptó las raíces de la alta costura francesa y luego de la Segunda Guerra Mundial aparecieron las primeras modistas que profundizaron la temática.

La historia relata que en un principio no existía la alta costura como tal en Argentina. ¿Por qué? La clase alta era clienta de la moda parisina y directamente compraban e importaban los vestidos desde el país. Y la clase media imitaba e igualaba los diseños con detalles parecidos, algo que no estaba mal visto en su momento.

Varios artículos de la industria de la moda, sobre todo algunos historiadores, remarcaron que la alta costura fue nacionalizada por Argentina. Una nomenclatura o término que desembarcó en el país a través de Jeanne “Madame” Paquin, una diseñadora de moda francesa que abrió una sucursal en Buenos Aires en el siglo XX y fue pionera en el negocio de la moda moderna. 

Varias francesas, luego de la Segunda Guerra Mundial, aterrizaron en Buenos Aires para asentar sus diseños parte de la moda francesa. A partir de la década del 60, varios lugares se insertaron en la cultura argentina y desarrollaron la haute couture. Varias de ellas eran “maison”, un término francés que refiere a hogar.

Alta costura en Argentina: el rol de Gino Bogani

Rosina Corradini instaló la alta costura en Argentina. Una italiana que desembarcó en el país y recordó durante una entrevista que era de las pocas modistas de la época. Otro de los nombres, quizá el más importante en el desarrollo de la haute couture en el país fue Gino Bogani, un libanés que a partir de los 70 generó una revolución en la moda argentina.

Bogani destacó que hay una “confusión total” sobre la alta costura, y que no significa que si alguien “confecciona un vestido largo” es parte del nivel de producción. “La alta costura absorbió la calle para sofisticar el look” resumió el libanés hace unos años.

El libanés, en cierta manera, fue calificado como pionero de la alta costura en Argentina debido a su talento y confección de prendas artesanales. “Sé que mi trabajo estimuló a muchos a encarrilar dentro de la moda. Es algo de lo que estoy muy contento, se que fui pionero de alguna manera” precisó.

A pesar del avance rotundo en la moda y el nuevo nivel de producción pret-á-porter, que surgió en el siglo XX y traspasó a la alta costura, Argentina todavía mantiene ateliers y diseñadores que fomentan el haute couture. Las revistas y los sitios enfocados en la moda afirman que el estilo se relaciona con los vestidos de novia, apuntados a los detalles, bordados y piezas únicas hechas a mano.

Actualidad del estilo en el país

Gabriel Lage es otro de los diseñadores con una trayectoria importante en el país sudamericano. Se ha destacado por la alta costura y en 2024 ha sido nombrado “personalidad destacada de la cultura” por la Legislatura porteña por su impacto en la industria. Fabián Zitta, con su atelier en Recoleta, también se ha desempeñado como un diseñador abocado a la alta costura y sus diseños de vestidos para novias.

Pía Carregal es otro nombre que se diferencia por su trabajo artesanal y apela al pasado para rememorar el trabajo con detalles puros y la exclusividad de los modelos. El nivel de producción también se ha reversionado ante la dinámica de la industria y la necesidad de adaptación, aunque la clientela, las diseñadoras y las horas de trabajos se mantienen.

Argentina implementó el pret-á-couture, un estilo que combina “listo para llevar” y alta costura, una mezcla entre generalizado con el lujo y la exclusividad. Zitta se ha caracterizado por llevar a cabo estas prendas. Muchos de estos conceptos también se han modernizado ante el avance de la moda. 

¿Alta costura si o no? Una nomenclatura extraída de París e impulsada por italianas y francesas que llegaron a Argentina con sus diseños. Y a partir de allí, una serie de diseñadores que trabajaron con el lujo mediante la copia de diseños y luego con confecciones propias.